Eine großartige Sängerriege und ein enorm nuancierter Orchesterklang sorgen in der neuen Parsifal-Produktion an der Oper Frankfurt für einen besonderen Musikabend, wie Stefana Sabin findet. Das Premierenpublikum war begeistert und feierte mit anhaltendem Applaus Sänger und Orchester.

Die Kronberg Academy ist ein besonderer Ort: Hier werden junge Ausnahmetalente aus der ganzen Welt zu Solist:innen und Kammermusiker:innen von Weltklasse ausgebildet. Was sie verbindet, ist nicht nur technisches Können, sondern eine Idee von Musik, die über das Virtuose hinausgeht – als gemeinsame Sprache, die Menschen berührt

In dieser locker geführten Reihe wird Musik auf Tonträgern vorgestellt, die absoluten Referenzcharakter hat. Wir widmen uns Platten, die jenseits der Trends Bestand haben und durch ihre einzigartige klangliche, technische, interpretative und/oder politische Dimension Einfluss auf die musikalische Landschaft nahmen. Bewusst wird hier der Fetisch des Allerneusten ignoriert, stattdessen auf Gebliebenes geschaut – und das, was bleiben sollte, und zwar über alle Genres der Musik hinweg. Wir laden Schreibende dazu ein, sich an der Reihe zur klanglichen Zeitlosigkeit zu beteiligen.

In dieser locker geführten Reihe wird Musik auf Tonträgern vorgestellt, die absoluten Referenzcharakter hat. Wir widmen uns Platten, die jenseits der Trends Bestand haben und durch ihre einzigartige klangliche, technische, interpretative und/oder politische Dimension Einfluss auf die musikalische Landschaft nahmen. Bewusst wird hier der Fetisch des Allerneusten ignoriert, stattdessen auf Gebliebenes geschaut – und das, was bleiben sollte, und zwar über alle Genres der Musik hinweg. Wir laden Schreibende dazu ein, sich an der Reihe zur klanglichen Zeitlosigkeit zu beteiligen.

Manfred Peckls Kunst ist ein Spiel mit Sprache – doch mehr als das: ein performativer Akt, der neue Realitäten schafft. Caterina Draschan-Mitwalsky liefert keine klassische Analyse, sondern eine Einladung, Peckls Wort- und Bildwelten aus einer neuen Perspektive zu betrachten. Mit einem interdisziplinären Blick auf Sprachwissenschaft, Kunst und Recht beleuchtet sie, wie Peckl Worte in Bewegung versetzt, Bedeutungen transformiert und den Betrachter einlädt, an dieser kreativen Schöpfung teilzuhaben. Ein Streifzug durch die Macht des Sprechens, die Kunst des Erschaffens – und die faszinierende Welt von Manfred Peckl.

Robert Carsens Inszenierung von Leoš Janáčeks Die Ausflüge des Herrn Brouček, geleitet von Simon Rattle, an der Staatsoper Unter den Linden ist weit mehr als eine satirische Opernrarität. Mit scharfem Blick für historische Parallelen und politischer Sprengkraft schlägt Carsen eine Brücke von den Hussitenkriegen über den Prager Frühling bis in unsere Gegenwart – und lässt am Ende einen überdimensionalen Panzer auf die Zuschauer zurollen. Ein grotesker Scherz? Nein, eine beklemmende Vision, die Alban Nikolai Herbst an der Berliner Staatsoper erlebt hat.

Am 13. März verstarb die große Komponistin Sofia Gubaidulina im Alter von dreiundneunzig Jahren. Noch am selben sowie am folgenden Tag erschienen in den wichtigsten Feuilletons die wahrscheinlich schon vorbereiteten Nachrufe, von denen einer aber derart schön ist, dass wir auf ihn hier gleich rechts verlinken. Dieser ist so ungewöhnlich, weil wir nicht nachklappern, schon gar nicht wiederholen, uns dennoch aber verbeugen möchten. Geschrieben hat die kurze Hommage Alban Nikolai Herbst – demütig unter Verwendung des königlichen Themas aus Johann Sebastian Bachs „Musikalisches Opfer“ sowie mit einem Verszitat Else Lasker-Schülers.

Ein Konzertabend, der atemlos macht. Joana Mallwitz feiert ihr mit Spannung erwartetes Debüt bei den Berliner Philharmonikern mit einem vielseitigen Programm. In seiner neuesten Kritik beleuchtet Alban Nikolai Herbst, wie Mallwitz mit Prokofjew, Rachmaninow, Hindemith und Ravel nicht nur die Philharmoniker, sondern auch das Publikum für sich gewinnt.

Ein gutes Bild berührt, kommuniziert und ist persönlich, so der Zürcher Streetfotograf Jens Krauer. Von New York bis Hongkong folgt Jens Krauer dem Fluss des urbanen Lebens. Im Interview mit Marc Peschke spricht er über Intuition, Ethik und die Magie des entscheidenden Augenblicks.

In dieser locker geführten Reihe wird Musik auf Tonträgern vorgestellt, die absoluten Referenzcharakter hat. Wir widmen uns Platten, die jenseits der Trends Bestand haben und durch ihre einzigartige klangliche, technische, interpretative und/oder politische Dimension Einfluss auf die musikalische Landschaft nahmen. Bewusst wird hier der Fetisch des Allerneusten ignoriert, stattdessen auf Gebliebenes geschaut – und das, was bleiben sollte, und zwar über alle Genres der Musik hinweg. Wir laden Schreibende dazu ein, sich an der Reihe zur klanglichen Zeitlosigkeit zu beteiligen.

Die unbekannte Oper Guercœur des unbekannten französischen Komponisten Albéric Magnard erlebte an der Oper Frankfurt ihre Premiere vor einem begeisterten Publikum. Stefana Sabin war dabei.

Am 12. Januar 2025 feierte die einzige Oper des ungarischen Komponisten György Kurtág »Fin de partie« nach Samuel Becketts »Endspiel« an der Staatsoper Unter den Linden, Berlin, in einer Inszenierung von Johannes Erath Premiere. Die letzte Vorstellung findet am 2. Februar 2025 statt. Alban Nikolai Herbst hat das Stück gesehen und geht zum näheren Verständnis in die Tiefe.

Eine Ausstellung des Frankfurter Dommuseums in Zusammenarbeit mit dem Historischen Museum Frankfurt präsentiert eine besondere Gattung der Malerei: Kircheninterieurs. Es waren Maler wie Johann Ludwig Ernst Morgenstern, Johann Friedrich Morgenstern, Carl Theodor Reiffenstein, Christian Stöcklin, Christian Georg Schütz und Johann Vögelin, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts die Innenräume der Frankfurter Kirchen als malerisches Sujet entdeckten und eine Art Stadtporträt anhand der Kirchen schufen. Stefana Sabin berichtet über ihre Eindrücke.

Das international gefeierte Ensemble Nico and the Navigators zeigen erneut ein Meisterspiel mit den Sinnen. In ihrer neuen Inszenierung verweben sie Illusion, Ironie und postmoderne Erzählkunst zu einem Gesamtkunstwerk, das die Grenzen von Täuschung und Wahrheit auslotet. Zwischen atemberaubender (Tanz) Akrobatik, Klangcollagen und philosophischen Dialogen lässt die Truppe das Publikum lachen, staunen – und kurz innehalten. Doch wo endet der Schein, und wo beginnt die Lüge? Ein unvergesslicher Abend, der die Zuschauer mitreißt und nachdenklich stimmt.

Die Premiere der neuen Produktion von Verdis Macbeth an der Oper Frankfurt war ein Triumph der Musik: die dänische Sopranistin Signe Heiberg, die für die indisponierte Tamara Wilson als Lady Macbeth kurzfristig einsprang, und Nicholas Brownlee als Macbeth, Chor und Kinderchor und nicht zuletzt das Opernorchester sorgten für einen unvergesslichen Abend. Stefana Sabin war bei der Premiere dabei. 

Alban Nikolai Herbst schildert die einzigartige Atmosphäre eines Konzerts, das gleichermaßen Überraschung, Experimentierfreude und meisterliche Klavierkunst bot. Von wilden Improvisationen bis zu zarten Momenten der Stille – die vier Pianisten entführten das Publikum auf eine klangliche Reise jenseits des Alltäglichen. Humor, Emotion und technisches Können verschmolzen zu einem Erlebnis, das längst legendär ist. Ein Konzert, das die Grenzen zwischen Jazz, Klassik und Performancekunst auslotete – und ein Publikum, das zu Recht in Jubel ausbrach.

Nadja Loschky inszeniert Alban Bergs Zwölftonoper Lulu in Frankfurt. Stefana Sabin war von der düsteren Stimmung der Inszenierung und der musikalischen Meisterschaft der Produktion beeindruckt.

Alban Nikolai Herbst beschreibt, wie Christof Loys Inszenierung von Ottorino Respighis „La fiamma“ an der Deutschen Oper Berlin mit kraftvoller Symbolik und psychologischer Tiefe begeistert. Begleitet von Carlo Rizzis leidenschaftlicher musikalischer Leitung, entfaltet sich ein dramatisches Meisterwerk, das die Grenzen zwischen Geschichte und Gegenwart aufhebt und das Publikum unwiderstehlich mitreißt.

Alban Nikolai Herbst taucht tief in die Welt von Joachim Kühns neuem Album mit dem »French Trio« ein. Herbst beschreibt die intime Atmosphäre der Aufnahme auf Ibiza, die sich in einer luftigen, fast mysteriösen Klangwelt widerspiegelt. Kühns Free-Jazz-Ansätze, gepaart mit einer kammermusikalischen Struktur, richten sich an Kenner und Aficionados, die komplexe, tiefgründige Musik zu schätzen wissen. Herbsts Text entführt uns in eine musikalische Landschaft, die Freiheit und Intellektualität meisterhaft vereint. Ein Genuss für alle, die abseits des Mainstreams nach echten Jazzperlen suchen.

Joana Mallwitz und das Konzerthausorchester Berlin mit Luigi Nonos »Come una ola de fuerza y luz« und Gustav Mahlers Vierter Sinfonie

Alban Nikolai Herbst hätte nie gedacht, dass er einmal eine begeisterte Kritik über Christian Jost schreiben würde. Doch sein ‘Pieces of a Dream’ hat ihn gefesselt – eine kraftvolle Mischung aus Struktur und Improvisation, die Grenzen sprengt und überrascht. Ist Alban Nikolai Herbst jetzt ein Jost-Fan?

Eine neue experimentelle Oper kam am 30. September an der berühmten Berliner Lindenoper zur Uraufführung, Marc-André Dalbavies »Melancholie des Widerstands«. Was ein bißchen nach Peter Weiss klingt, ist indes der Versuch, die Möglichkeiten des (Spiel-, bzw. Dokumentar)Films, des direkten Bühnentheaters sowie orchestraler Musik und Gesang zu einem homogenen Gesamtkunstwerk zu formen, wobei die, egal in welchem Medium, ineinander verschränkten Szenen unmittelbar aufeinander reagieren – zusammengehalten vor allem durch eine mit O-Ton-Geräuschen angereicherte Komposition, die bisweilen zu einem meditativen Klangteppich wird. Gehört und gesehen hat es Alban Nikolai Herbst.

Was wären internationale Fußballturniere ohne ihre offiziellen Songs? Der jeweilige Dachverband stellt einen, und auch die großen TV-Anbieter haben sich für ihre Berichterstattung auf verschiedene Hits festgelegt. Da stellt sich die Frage: Was taugen die diesjährigen Europameisterschafts-Songs?

Nach allem, was uns überliefert ist, war der Tanz zu Anbeginn eine rituelle Handlung. Und sehr weit hat er sich bis heute wohl nicht davon entfernt. Darüber hinaus schmiegt er sich gerne an andere Rituale an, wie zwei Choreografien am Hessischen Staatsballett in Wiesbaden zeigen, die Walter H. Krämer vorstellt.

Allein die enorme Beliebtheit, bei Hinrichtungen zuzuschauen, macht deutlich, wie die menschliche Schaulust sich auf Tabus richtet, vor allem auf Sexualität und Menschenopfer. Die moralische Forderung, einerseits nicht alles zu zeigen, andererseits den Blick nicht abzuwenden, gewinnt eine politische Dimension, wenn es um das unsagbare Verbrechen der Shoah geht. Den Film „The Zone of Interest“, in dem die menschliche Kälte der Familie Höß dargestellt wird, sieht Jutta Roitsch fehlgeleitet.

Als Dante zu Anfang der „Comedia“ zur Hälfte seines Lebens sich tief in einem dunklen Walde wiederfand, erschien ihm dieser so wild und schaurig, dass es ihm unsagbar schwer fiel, das zu schildern. – Schon mit der fortschreitenden Urbanisierung rückten Land und Wald von der Lebenswelt in die Distanz der Betrachtung. Der Wald wurde zum temporären Erholungsraum, aber auch zur unheimlichen Wildnis. „WÄLDER. Von der Romantik in die Zukunft“ ist eine konzertierte Kunstaktion, die noch bis zum 11. August 2024 läuft. Walter H. Krämer stellt sie vor.

1933 schrieb Federico García Lorca ein Theaterstück mit dem Titel „Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín“, woraus der in Heidelberg lebende Komponist Wolfgang Fortner eine Kammeroper schuf, die 1962 in Schwetzingen uraufgeführt wurde. Sie erlebt im Frankfurter Bockenheimer Depot eine großartige Wiederentdeckung, findet Stefana Sabin.

Georg Friedrich Händel aus Halle an der Saale schrieb unter anderem 42 Opern, die er vor allem vor englischem Publikum in italienischer Sprache aufführen ließ. Eine seiner erfolgreichsten spielt in Ägypten, und zwar im Jahr 48 v. Chr., als man noch lateinisch sprach. „Ruhm ist die Sonne, die auf die Toten scheint“. Dieses Zitat von Honoré de Balzac erscheint als Fazit unvorstellbaren Gemetzels am Ende einer zu Recht mit Standing Ovations bedachten, denkwürdigen Inszenierung von Nadja Loschky und deren musikalischer Interpretation des Giulio Cesare in Egitto fast genau 300 Jahre nach der Londoner Uraufführung in der Frankfurter Oper. Andrea Richter hat die Premiere gesehen und ihre Eindrücke zusammengefasst.

Zum Welttheatertag, der jährlich am 27. März begangen wird, macht das Theater auf seine Bedeutung für die Gesellschaft aufmerksam. Bei dieser Gelegenheit wird eine prominente Persönlichkeit – erkoren waren, von Jean Cocteau bis Augusto Boa, vor allem Dramatiker – gewählt, die eine Botschaft verfasst. 2024 ist es Jon Fosse. Walter H. Krämer präsentiert den Text.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt Autor:innen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Michael Behrendt greift zwei aktuelle Verse des amerikanischen Schwesterntrios Joseph auf, die ihn ebenso beschäftigen wie mancher Textklassiker aus dem Rockarchiv. Die Verse stammen aus „The Sun“, dem Titelsong des vierten Joseph-Albums. Es hat, wie die Band selbst, wieder jede Menge über Achtsamkeit, Selbstbehauptung, Heilung zu erzählen.

Pedro Almodóvar ist wahrscheinlich der prominenteste Filmregisseur Spaniens. Die Personen in seinen Filmen sind exemplarisch von der nationalen Geschichte, von Politik, Moral, Mythos und Tradition seines Landes bestimmt und doch so individuell gezeichnet, dass die Ambivalenz, aber auch die Doppelbödigkeit seiner Melodramen hellsichtiges Erleben ermöglichen. Marli Feldvoß schreibt über seinen 1986 erschienenen Film „Matador“.

„Viktor“, heißt es, sei das erfolgreichste Tanzprojekt Pina Bauschs – mit der Besonderheit, dass es fast nur aus Gruppentänzen besteht. Anstelle der Befindlichkeit des Individuums ist gleich das Beziehungsnetz zwischen Individuen gesetzt, in dem der Prozess des Miteinander, Gegeneinander und des Aneinandervorbei die Gestaltung einfordert. Walter H. Krämer erinnert sich und freut sich auf die Wiederaufführung.

Das 19. Jahrhundert hatte da keine Probleme, und noch in den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts konnte Alfred Kerr den einst umlaufenden Vers zitieren: „Nichts an Dir war scheel und niedrig / teurer Schiller, edler Friedrich.“
und er, Kerr, nennt ihn, Schiller, tatsächlich einen „herrlichen Freiheitsschwaben“. Und Deutschland jubelte. Davon sind wir heute wahrlich weit weg. Auch von Schiller? Die meisten Wiederbelebungsversuche sind oft kläglich gescheitert. Nicht so: jetzt, in Frankfurt, bei und dank Felicitas Brucker. Und Martin Lüdke hat das Stück gesehen.

Am 19. Februar 2020 ermordete ein 43-jähriger Mann und polizeibekannter Rechtsextremist in Hanau innerhalb von 6 Minuten neun Menschen aus rassistischen Motiven und entzog sich durch Selbsttötung seiner Verurteilung. Bis heute ist neben den veröffentlichten Fakten viel ungeklärt geblieben. Der Regisseur Tuğsal Moğul hat den Vorfall mit dem Stück „And Now: Hanau“ auf die Bühne gebracht, und Walter H. Krämer weiß, was sich dort abspielen wird.

„Elektriker“ nennt man sie fälschlich oder „Akustiker“, weil der Begriff „Akusmatiker“ so fremdartig in deutschen Ohren klingelt, schlecht zu merken ist und Verwirrung stiftet. Kein Wunder, wenn man auf seine irrationale Entstehungsgeschichte blickt. Was er aber bezeichnet, ist ein musikalisches Kompositionsverfahren ohne Notenköpfe und Musiker. Jeder Akusmatiker hat seine eigenen Vorstellungen von dieser rätselhaften Klangkunst. Bernd Leukert skizziert eine Ideengeschichte der Akusmatik.

Es gibt Musik, die unser Gedächtnis okkupiert, pausenlos wiederholt werden will, dabei und immer aufs Neue ihre Schönheit offenbart und doch ihre Geheimnisse bewahrt. Es ist schwer, davon wieder loszukommen. Gäbe es in Deutschland ein Suchtmittelgesetz, würden solche Vorgänge observiert werden. Alban Nikolai Herbst ist gleich zwei solcher musikalischen Substanzen verfallen. Und er beschreibt, warum.

In kunstvoll reduzierter Bühnenumgebung Platz für das durch magische Musik erzeugte Kopfkino schaffen. So lässt sich am treffendsten die Produktion von „Der Traumgörge“ umschreiben. Die von Alexander Zemlinsky komponierte Oper mit der schicksalhaften Aufführungsgeschichte erlebte in der Oper Frankfurt eine Neubelebung mit großartigen Künstlern. Allen voran der Tenor AJ Glueckert und die Sopranistin Zuzana Marková in den Hauptrollen. Andrea Richter war bei der Premiere dabei.

Dass die ganze Welt verrückt ist, wie das Motto der Maifestspiele anzeigt, gilt für Wiesbaden selbstverständlich nur sehr eingeschränkt. Der ehemalige Intendant Uwe Eric Laufenberg hat einige Operninszenierungen hinterlassen, die das Publikum freuen wird, das das Bekannte liebt. Das Sprech- und Musiktheater hingegen lockt mit den großen Namen der Stars aus Film und Fernsehen. Walter H. Krämer beschreibt, was zu erwarten ist.

Die Entwicklung der musikalischen Komposition hat sich entlang der instrumentaltechnischen Innovationen und den daraus folgenden Regelbrüchen vollzogen. Nun, da vor einiger Zeit die letzten Reste eines kompositorischen Regelwerks aufgegeben wurden und also keine Regelbrecherei mehr stattfinden kann, stellt sich die Frage, wie die zeitgenössische Musik sich selbst begreift. Der Schweizer Musikologe Christoph Haffter hat mit seinem „Musikalischem Materialismus“ eine Erklärung geschrieben, die Ernst August Klötzke gelesen hat.

Wer einmal im Irrenhaus – heute trägt das Haus einen anderen Namen – ist, kann sagen, was er will. Er gilt vermutlich nicht als zurechnungsfähig, kann also auch nicht belangt werden. Deshalb siedelten russische Autoren ihr kritisch-phantastisches Romangeschehen nicht selten im Irrenhaus an. Dennoch ließ die Zensur Michail Bulgakows „Meister und Margarita“ nur in gekürzter Fassung erscheinen. Armin Petras hat eine eigene Version des Stoffes auf die Augsburger Bühne gebracht, und Walter H. Krämer hat sie mit Vergnügen gesehen.

Gibt es ein Ballett, das sich nicht um die Liebe dreht? Man könnte meinen, da wüsste man wenigstens, was einen erwartet. Nicht, wenn Pina Bausch sich des Themas annimmt. Sie fragt nämlich, um was für eine Art von Liebe es sich handelt. Und erst beim Probieren dieser oft problematischen Aspekte findet der Tanz seine Tanzbarkeit. Walter H. Krämer verbreitet in seiner Vorschau auf die Wuppertaler Neuauflage der „Nelken“ einen vielversprechenden Duft.

Mit einer Inszenierung zum Berliner Theatertreffen eingeladen zu werden, berechtigt zu den schönsten Hoffnungen. Die Jury hat entschieden, wer kommen darf. Und eine neue Leiterin, die das bis dahin amtierende Kollektiv ablöst, ist eingestellt. Die in Österreich geborene Nora Hertlein-Hull ist eine studierte Theater-, Film- und Medienwissenschaftlerin, leitete internationale Festivalproduktionen und arbeitete als Produktionsleiterin und Tournee-Regisseurin. Walter H. Krämer hat sich die Auswahl der Produktionen angesehen.

Als musikalische Gesellschaftssatire im Théâtre des Variétés in Paris 1869 uraufgeführt, war Jacques Offenbachs letzte opéra bouffe „Die Banditen“ ein Publikumserfolg, bis sie wegen des Deutsch-Französischen Kriegs vom Spielplan verschwand und dann in Vergessenheit geriet. In den 1920er Jahren wiederentdeckt, erreichte diese Operette nie die Popularität anderer Bühnenwerke von Offenbach. Das könnte sich mit der spritzigen und durchweg unterhaltsamen Inszenierung an der Oper Frankfurt ändern, meint Stefana Sabin.

Die Botschaft ist klar: Alles auf Anfang. Angelos, das ist der Bote, der Engel, der die Botschaft bringt. Der Adressat sitzt im Theater und empfängt die Botschaft in der aktuellen Fassung. PeterLicht und SE Struck überschreiben den guten alten Luis Buñuel, und Claudia Bauer bringt den „Würgeengel“ überzeugend auf die Bühne des Schauspiel Frankfurt. Martin Lüdke lobt die Aufführung.

Man mag viel wissen über Israel, über Jerusalem, und viel weiß man eben nicht – zum Beispiel, was für eine Rolle die Kinokultur dort spielt. Als im Frühjahr 2008 Marli Feldvoß nach Jerusalem reiste, um die politische Entwicklung Israels zu erkunden, beeindruckte sie beim zufällig zu dieser Zeit stattfindenden Filmfestival in Tel Aviv das enge Verhältnis, das die Israelis mit ihren Filmen pflegten, die sich in zunehmenden Maße mit Fragen der eigenen Identität auseinandersetzten. Zustimmung oder Empörung durchliefen die Medien und fanden ihre Resonanz bei den Filmschaffenden.

Lieder von Gustav Mahler und Franz Schubert standen auf dem Programm des Liederabends in der Oper Frankfurt. Der Bariton Andrè Schuen und sein Klavierpartner Daniel Heide präsentierten Liedkunst auf höchstem Niveau. Andrea Richter hat miterlebt, wie sie den Beweis dafür lieferten, dass diese musikalische Kunstform keineswegs out ist, sondern nach wie vor bewegt, berührt und fasziniert.

Wenn Text und Komposition vom Regisseur ernst genommen werden, wenn das Dirigat ein Top- Sänger*innen-Ensemble mit dem Kraft- und Energiezentrum Aile Asszonyi in der Titelrolle sowie die Instrumentalisten feinfühlig leitet, kommt die Genialität des Duos Strauss/Hofmannsthal voll zum Tragen. Die Premiere der Elektra in Frankfurt wurde ihr nach Meinung von Andrea Richter voll umfänglich gerecht.

„Der Schoß ist fruchtbar noch, aus dem das kroch“, heißt es in Brechts „Arturo Ui“, und solange dessen Aufstieg noch aufhaltsam ist, sind solche Werke wie Maria Lazars Roman „Die Eingeborenen von Maria Blut“, jetzt dramatisiert von Lucia Bihler und Alexander Kerlin, vonnöten. Marius Hulpe hat sich die Inszenierung angesehen.

Beißen sich in einem Spielfilm zwei Dinosaurier gegenseitig die Köpfe ab, fragt niemand danach, ob das tatsächlich so gewesen sein könnte. Werden aber Persönlichkeiten dargestellt, deren Bekanntheit sich durch ihr bedeutendes Wirken in der jüngsten Geschichte ergibt, dann stellt sich allerdings die Frage nach deren Glaubwürdigkeit, weil unser Geschichtsverständnis davon betroffen ist. Detlef zum Winkel hat Christopher Nolans Film „Oppenheimer“ gesehen und schreibt über die alternativen Fakten darin.

In nur dreieinhalb Wochen soll der fünfzehnjährige Mozart die Auftragskomposition für die Hochzeit des Erzherzogs Ferdinand von Österreich mit der Prinzessin Maria Beatrice d’Este geschaffen haben: „Ascanio in Alba“ wurde zwei Tage nach der erlauchten Hochzeit im Herbst 1771 in Mailand zum großen Vergnügen des Brautpaars uraufgeführt und machte Mozart berühmt. Es ist also ein Jugendwerk, das nun die Oper Frankfurt in einer gefälligen Inszenierung von Nina Brazier im Bockenheimer Depot zeigt. Stefana Sabin hat die Vorstellung besucht.

Die von vielen Zuschauern erwarteten, musikalisch erfüllten, szenisch jedoch konterkarierten Wohlfühl-Stunden fielen aus. Sie endeten nach dem Fall des Schlussvorhangs der Premiere mit einer im Rollstuhl sitzenden, tatsächlich verletzten Aida, einigen lauten Buh-Rufen für die Regie sowie Riesenapplaus für die Musiker. Eine Produktion, die Andrea Richter ganz sicher nicht vergessen wird.

In Anwesenheit des italienischen Staatspräsidenten Sergio Mattarella wurde im Gran Teatro La Fenice in Venedig die neue Saison mit Jacques Offenbachs Oper „Hoffmanns Erzählungen“ in einer schillernden Inszenierung des venezianischen Regisseurs Damiano Michieletto, Star des italienischen Regietheaters, eröffnet. Stefana Sabin war bei der Premiere in Venedig dabei.

„All that matters“ ist ein Stück über Kindertransporte während des Nationalsozialismus. Und es ist die wahre Geschichte über Nicholas Winton und der wundersamen Rettung gefährdeter und vom Tod bedrohter Kinder durch sein Wirken. Premiere war nicht zufällig am 9. November 2023 – 85 Jahre nach den Novemberpogromen 1938 – dem Beginn der systematischen Vertreibung und Vernichtung jüdischen Lebens durch die Nationalsozialisten. Walter H. Krämer ist von der Inszenierung beeindruckt.

Vorhersagen bewahrheiten sich selten – so auch in der Oper von György Ligeti, „Le Grand Macabre“, die 1978 in Stockholm uraufgeführt wurde und sich seitdem in einer von Komponisten 1996 revidierten Fassung auf den Opernbühnen durchgesetzt hat. Nun wurde Ligetis einzige Oper mit einer fast dreijährigen, coronabedingten Verspätung an der Oper Frankfurt inszeniert. Stefana Sabin war bei der Premiere.

Unter den vielen Blutsaugern ist der Graf Dracula, den der Ire Bram Stoker nach dem legendären rumänischen Fürsten Vlad III. Dračulea formte, der bekannteste. Das Blut allein garantiert ihm das Überleben als Untoter – und zwar schließlich in England. Im Frankfurter Schauspiel aber hat der Vampir alle Themen der aktuellen, öffentlichen Diskussionen auf sich gezogen, und Martin Lüdke sieht die Zeit angehalten.

Wie jeder Zeitgeist bringt auch der aktuelle seine eigenen Versatzstücke, Klischees, Vorurteile und andere Dummheiten hervor. Dazu gehört auch die Forderung, dass diese auch in den Medien widergespiegelt werden müssen, damit der Bezug zur Wirklichkeit, der damit verloren geht, nicht verloren gehe. Walter H. Krämer hat David Gieselmanns Komödie „Das Ministerium“ am Staatstheater Wiesbaden aufgesucht und wurde enttäuscht.

Marianne ist die Nationalfigur der Französischen Republik, die Freiheit im Sinne der französischen Revolution. Wer als Modell für die Marianne-Büste ausgewählt wird, läuft Gefahr, sein Leben selbst statuarisch zu verbringen. Nicht so Catherine Deneuve, die gerade 80 Jahre alt geworden ist. Marli Feldvoß hat im Jahr 2011 die Verwandlungen der großartigen Schauspielerin beschrieben.

Literatur, bildende Kunst, die Sitten und Gebräuche unseres Alltagslebens – all das sind kulturelle Aneignungen, ohne die es überdies keine Musik gäbe. Denn das Komponieren leitet sich vom lateinischen componere, zusammenstellen, her, die Aneignung und Verarbeitung von bereits Vorhandenem. Walter Zimmermann, ein belesener und kenntnisreicher Komponist, hat immer wieder neue Wege für diese Technik gefunden. Seine neue CD „Chantbook for Lipparella“ hat Ernst August Klötzke gehört.

Ob nicht doch noch nach dem letzten Werk ein allerletztes folgt, lässt sich beim ersteren nicht mit Sicherheit sagen. „Last Work“ heißt das ursprünglich für die Batsheva Dance Company in Israel geschaffene Stück aus dem Jahr 2015, das der jetzt siebzigjährige israelische Choreograph Ohad Naharin mit der Company des Hessischen Staatsballetts einstudiert hat. Die Premiere in Darmstadt, die Walter H. Krämer besucht hat, war am 7. Oktober, die in Wiesbaden folgt im November.

Nach den ersten fulminanten Premieren – Mozarts Figaro im Großen Haus und Donizettis Don Pasquale im Bockenheimer Depot – bestätigt die Oper Frankfurt ihren Ruf als Oper des Jahres mit der ebenso erstklassigen Wiederaufnahme von Verdis Don Carlo. Die Inszenierung von David McVicar von 2007 wirkt immer noch beeindruckend, und Sänger und Orchester sorgen für einen großartigen Opernabend, findet Stefana Sabin.

Julien Offray de la Mettrie, der Prügelknabe der Aufklärung, hatte die Idee des Menschen als Maschine vertreten. Der Romantiker E.T.A. Hoffmann rächte sich an ihm, indem er diese Idee ernst nahm. Und Jacques Offenbach wählte drei Frauen – Automaten, Psychopathen und Prostituierte – aus Hoffmanns Erzählungen, um den Schrecken in seine doppelbödige Oper zu pflanzen. Walter H. Krämer hat „Hoffmanns Erzählungen“ im Staatstheater Darmstadt gesehen.

Einen konkreten Punkt herauszunehmen, der diese Produktion besonders bestimmte, ist unmöglich. Es war das Zusammenspiel aller Komponenten des Musiktheaters, das in glücklicher Form ein Ganzes bildete. Leichtigkeit, Bewegung und Geschwindigkeit, unterbrochen von ruhigen, emotional berührenden Momenten, genau so, wie es Mozarts Musikdramaturgie vorsieht. Der Schlussapplaus euphorisch und verdient für diese beeindruckende Ensemblearbeit und vor allem für den neuen Generalmusikdirektor Thomas Guggeis, fand Andrea Richter.

Der erfolgreiche Liebesfilm, liest man, führe zu einer verstärkten Ausschüttung des Progesterons, dem Gelbkörperhormon, einem natürlichen Sexualhormon – bei Frauen und bei Männern. Er biete intensive Gefühle an, nach denen das Publikum sich sehnt, weil es ihrer ermangelt. Aki Kaurismäki zeigt in seinem Film „Fallende Blätter“ aber auch, wie schwierig sich die Liebe gestaltet, wenn die Verhältnisse nicht so sind. Ulrich Breth war im Kino.

Im Bockenheimer Depot inszeniert Caterina Panti Liberovici die komische Oper von Gaetano Donizetti Don Pasquale als ironisches Stück im Stück. Sänger und Orchester machen die Inszenierung zu einem großartigen Opernabend, findet Stefana Sabin.

Das Theater lebt vom Bezug auf die Gegenwart, selbst und vor allem, wenn er auf der Bühne nicht ausdrücklich ausgestellt wird. Zugleich bringt die Theaterarbeit leicht eine ästhetische Parallelwelt hervor, die von der Theatergeschichte oder von anderen Inszenierungen beeinflusst ist, also vom Theater selbst. Die Neugier darauf, was an geglückten Stücken entstand, hat Martin Lüdke zu Saisonbeginn zum „Geizigen“ und zu „Orlando“ ins Frankfurter Schauspiel getrieben.

Wir können gar nicht sehen, ohne das Wahrgenommene zu interpretieren. Das kann zu frappierenden Missverständnissen führen, zu Fehlinterpretationen, die, etwa durch einen Rachewunsch motiviert, fatale Schuldzuweisungen zur Folge haben können. Das und die sich daraus ergebenden Lebenslügen bilden die Basis des 2007 erschienenen Films „Abbitte“. Marli Feldvoß sprach im selben Jahr mit Vanessa Redgrave, die der Regisseur Joe Wright mit der Rolle der alten Briony Tallis, Urheberin des Dramas, betraut hatte.

Ein ernster Komponist der Gegenwart steht vor dem Problem, etwas auch für ihn selbst Neues schaffen zu müssen und zu wollen – und dennoch wissen zu müssen, was er will. Er kann also nur wollen, was er nicht schon weiß. Der Weg zum Ziel ist der Umweg. Der in Südkorea geborene, deutsche Komponist Kunsu Shim, der nun 65 Jahre alt geworden ist, hat eine eigene Methode entwickelt, der eigenen fremden Musik habhaft zu werden. Achim Heidenreich lässt ahnen, worum es geht.

Hector Berlioz fand nicht nur beim deutschen Publikum zwiespältige Aufnahme, die durch Ressentiments und Missverständnisse gefiltert war. Auch in Frankreich, wo ihm die akademischen Kunstrichter das Leben schwer machten, musste er sich gegen manche Widerstände behaupten. „Romantiker“ war das Etikett, das nicht nur die Zeitgenossen auf eine selektive Wahrnehmung festlegte. Das Realistische und zugleich Grenzüberschreitende seiner Musik wurde in der Berliner Philharmonie offenbar, wo Alban Nikolai Herbst die halbszenische Aufführung der „Trojaner“ erlebte.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt Autor:innen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Michael Behrendt erinnert sich an „Have A Cigar“, einen musikindustriekritischen Song der Band Pink Floyd aus den 1970er Jahren, und skizziert, wie sich die alten Fronten einerseits aufgelöst, andererseits signifikant verschoben haben.

Die Beschreibungen ihrer Charaktere lassen vermuten, dass diese Schauspielerin soviel wie alles kann. Sie spielt radikale, egoistische, verzweifelte Figuren, die um jeden Preis ihre Freiheit erkämpfen, oder unberechenbare, ziellose Frauen, die schlafwandlerisch sich in eine Traumwelt flüchten. Sie wird geschildert als unzugängliches Wesen mit einem blassen, schmalen Gesicht, das bedeckt ist von leuchtenden Sommersprossen und Augen mit einem Hauch von Melancholie. Marli Feldvoß schreibt über die französische Schauspielerin Sandrine Kiberlain.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Michael Behrendt erinnert sich an den ersten Song, der ihm wirklich bewusst machte, dass es in Lyrics keineswegs immer hochpoetisch und sprachlich elegant zugeht, sondern im Gegenteil auch mal gewaltig knirschen kann: Ich wart’ auf dich aus dem Jahr 1986 lässt ahnen, warum es der Wahlkölner Wolf Maahn als Rockstar nie so richtig geschafft hat.

Bis heute fährt die Frankfurter Straßenbahn nur bis zur Stadtgrenze Offenbachs. Seit dem 14. Jahrhundert bestehen gewisse Spannungen zwischen den beiden Nachbarstädten. Umso bemerkenswerter war die Entscheidung des Internationalen Theaterinstituts, das alle drei Jahre stattfindende „Theater der Welt“ erstmalig an zwei deutsche Städte zu vergeben, und zwar eben an Frankfurt und Offenbach. „Theater der Welt“ ist seit seiner Gründung 1981 ein anregendes bis sensationelles Festival; Walter H. Krämer beschreibt, wie es sich 2023 präsentierte.

Ein Spielfilm für das Kino ist oft voller Stilisierungen, um die Wucht des Unmittelbaren zu mildern und dem Publikum die schützende Distanz zu erhalten. Nicht so die Filme des Österreichers Ulrich Seidl, die einfühlsam und schonungslos wirken. Das mochte den SPIEGEL im Herbst 2022 dazu verleitet haben, ihm Manipulation von Kindern für seinen jüngsten Film „SPARTA“ zu unterstellen. Marli Feldvoß hat 2010 mit dem Regisseur gesprochen.

Am 20. September 1973 endet in einem Kleinstädtchen im US-Bundesstaat Louisiana ein markantes Musikerleben. Jim Croce, 30 Jahre alt, hat es nach zehn Jahren unermüdlicher Arbeit geschafft, von seiner Musik zu leben. Seine Alben und viele ungewöhnliche Singles landen in den Top Ten der Charts auf beiden Seiten des Atlantiks. Das ist erstaunliche fünfzig Jahre her. Paul-Hermann Gruner würdigt Croce als eine menschliche und künstlerische Rarität.

Es war einmal eine Geschichte, die alle hören und sehen wollten, weil darin genau das geschah, was alle sich erträumten: dieses Märchen, durch Nacht zum Licht erzählt, lässt zwar Personenschäden nicht unerwähnt, bringt aber, wenn sie nicht gestorben sind, todsicher gerettete Menschen ins Finale, siegreich und in Liebe vereint. Michael Behrendt, der sich seit langem mit Personen und ihren Darstellern im Pop-Bereich beschäftigt, hat mit „Daisy Jones & The Six“ eine besonders trickreiche Performance ausgemacht.

Unter dem Titel „Pneumopteria“ hat der Berliner Künstler Roland Boden historische Zeichnungen, computergenerierte Bilder, eigene Fotos und verschiedene Texte zu einer großangelegten Geschichte jener ausgestorbenen Gattung veröffentlicht, die wissenschaftlich als Pneumopteria und volksmündlich als Himmelsleviathan bezeichnet wird. Es ist ein künstlerisches Projekt, das als eine Mischung aus fiktionaler und systematischer Recherche daherkommt und ästhetische Sichtweisen und allgemeine Wahrnehmungsgewohnheiten hinterfragen möchte. Stefana Sabin war von der Darstellung fasziniert.

Sich die Geschichte von Tristan und Isolde als Neukomposition nach Wagners opus magnum vorzunehmen, darf wohl als riskantes Unternehmen eingestuft werden. Frank Martin wagte das Experiment, und 1942 kam „Le vin herbé“ in Zürich zur Uraufführung. Ganz bewusst konzipiert als Gegenentwurf zum berühmten Vorläufer: als Oratorium. Der Form nach ist es das auch. Inhaltlich jedoch eine Oper, in der der ganze Schmerz Martins über die fatalen Kriegsgeschehnisse, die Verlorenheit der Menschen und ihre Hoffnung auf friedliche Neubegegnung ausgedrückt wird. Ein berührender Solitär, den Andrea Richter bei der Premiere in der Frankfurter Oper für sich entdeckt hat.

Wie Weimar nach 1775 zum Zentrum deutschsprachiger Kultur werden konnte, deren Anspruch bis heute nachwirkt, ist immer noch erstaunlich. Neben den historischen Bauten der Weimarer Klassik und den Veranstaltungen der Hochschule für Musik Franz Liszt glänzt die thüringische Stadt heute mit Lesungen, Musiktheater, Schauspiel und Musical. Dass bei der Fülle der Angebote nicht alles glücken kann, ist nun nicht erstaunlich. Aber der Hoffnungsträger KI sieht das nicht so problematisch. Wohin das führt, zeigt der Gemeinschaftsbericht von ChatGPT und Walter H. Krämer.

In der Oper „Die ersten Menschen“ ist die Geschichte vom Ursprung der Menschheit umgeschrieben worden. Eva, Adam, Kain und Abel sind nicht die ersten, sondern die letzten Menschen. Verzweifelt suchen sie nach erfüllter Sexualität und dem Sinn des Lebens. Und zwar in einer Weise, die das Werk auf dem Verbots-Index mindestens in Utah, USA, landen lassen dürfte. Das vermutet Andrea Richter nach der Premiere in Frankfurt. Hier wird der Besuch ab 16 Jahren empfohlen, ebenfalls eine Premiere. Bei seiner Dernière als Generalmusikdirektor des Frankfurter Opern- und Museumsorchesters bewies Sebastian Weigle, dass sein Dirigat nicht auf irgendeinen Index gehört.

In Meiningen fand die „Salome“ von Richard Strauß in einem Boxring statt. Wie der Kampf ausging, berichtet Achim Heidenreich, der das Ereignis zum Anlass nahm, über das Verhältnis der Zeitgenossen Arnold Schönberg und Richard Strauß nachzudenken, das in der einschlägigen Literatur als unvereinbar erscheint, in der vergangenen Realität aber sich als einvernehmlich darstellt.

Es gibt sie noch, die Bands, die die Elemente ihrer Musik nicht abrufen, sondern entstehen lassen – mit Bezügen zur genretypischen Tradition und zu den großen Vorbildern. Da geht es um Klangfarben und das spezifische Idiom, und es überrascht nicht, dass bei der Frankfurter Psychedelic Rock Band THE BLACK CAT’S EYE oft die Musik zuerst entsteht und die Lyrics sich im nachhinein einfügen, allerdings angereichert mit den eigenen Erfahrungen. Heidrun Harlander-Breth und Ulrich Breth beschreiben die Band und sprachen mit dem Gitarristen und Sänger Christian Blaser.

Eine Oper zu erschaffen und plausibel auf die Bühne zu bringen, gehört zu den heikelsten künstlerischen Tätigkeiten. Denn die Oper ist eine Mischform, die ihre unerhört praktischen Seiten anbietet, aber in keinem ihrer Einzelaspekte zu unterschätzen ist. Was in Peter Eötvös’ „Balladenoper Sleepness“ an der Staatsoper Unter den Linden Berlin nicht überzeugt, berichtet Alban Nikolai Herbst.

Nicht alles, was Erfolg hat, ist gut; und nicht alles, was gut ist, hat Erfolg. Das Theater aber, dessen Selbstverständnis zwischen Aufklärung, Bekenntnis, Belehrung, Mysterienspiel, Erziehung und Gefühlsleistung, wohl seltener auch Erkenntnischance umherirrt, muss Zustimmung und Ablehnung aushalten. Selbstverständlich will es keinen Misserfolg, und selbstverständlich will es, um sich nicht aufzugeben, nicht die Wünsche des Publikums erfüllen. Es versucht also, sich dazwischen einzurichten. Walter H. Krämer denkt über einen solchen Versuch bei der „Traumnovelle“ nach Schnitzler am Schauspiel Frankfurt nach.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Michael Behrendt erinnert sich an den Aufstand, den White Riot, den The Clash 1977 anzettelte, und an andere Punk-Attacken, die alles, was vorher war, für irrelevant erklärten.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Otto A. Böhmer etwa erinnert sich an die „Moody Blues“.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Michael Behrendt ist der Spur eines rätselhaften Popsongs nachgegangen, der 2008 von Vampire Weekend veröffentlicht und dann von Peter Gabriel gecovert wurde: Cape Cod Kwassa Kwassa

Händel hätte sich bestimmt gefreut, dass sein zu Lebzeiten unpopuläres Werk „Herkules“ nun an der Oper Frankfurt zum großen Erfolg wurde. Denn die sparsame und suggestive Inszenierung von Barrie Kosky und die großartige sängerische und schauspielerische Leistung von Paula Murrihy und Elena Villalón machten das musikalisch eher monotone Oratorium zu einem spannenden und regelrecht opernhaften Ehedrama. Stefana Sabin war dabei.

Im Palais Garnier in Paris 1883 mit viel szenischem und choreographischem Aufwand und mit damals berühmten Sängern uraufgeführt, war die Oper „Henry VIII“ von Camille Saint-Saëns ein Erfolg und wurde daraufhin auch in Frankfurt, Mailand und London inszeniert. Aber trotz einer Inszenierung in Brüssel 1935 geriet sie danach in Vergessenheit. Nun versucht man in Brüssel, diese vergessene Oper von Saint-Saëns über Heinrich VIII. von England wiederzuentdecken. Stefana Sabin war bei der Premiere im Théatre de la Monnaie.

„Nicht die Natur lehrt uns die Liebe, es tut der erste Kitschroman. Wir wollen früh das Leben ahnen, und wir erkennen’s – aus Romanen.“ So übertrug Elfriede Eckardt-Skalberg Verse aus dem ersten Kapitel des „Eugen Onegin“ von Alexander Puschkin. Was aber erkennen wir, wenn aus dem Versroman eine Oper von Pjotr Iljitsch Tschaikowski wird, die in Darmstadt aufgeführt wird? Walter H. Krämer hat seine Erfahrung damit notiert.

Gordon Lightfoot war ein Barde aus der nordamerikanisch-kanadischen Folksinger-Tradition, der einprägsame Songs schrieb und sang. Auch in Europa war er mit seiner Musik präsent in den Radios, Jukeboxes und Plattenläden. Lightfoot ist 84-jährig gestorben, und Paul-Hermann Gruner hat ihm einen Nachruf geschrieben.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Wir beginnen mit Ruth Fühners Gedanken über Shel Silversteins „The Ballad of Lucy Jordan”.

Ob man ihre Bedeutung erfassen kann oder nicht, manche Gesangsfragmente, manche Liedpassagen und Songtexte lassen sich dauerhaft auf einem Gedächtnisplatz nieder, den wir offenbar für solche singseligen Gäste reserviert haben. Die Reihe LyrikLINES gibt AutorInnen Gelegenheit, solchen Ohrwürmern nachzugehen und damit ihren eigenen Assoziationen zu folgen. Aus gegebenem Anlass blickt Achim Heidenreich auf die Trauerfeier für Diana Spencer, die, wenn das Wörtchen wenn nicht wär‘, am Wochenende zur Königin gekrönt würde: Trauer sucht sich Musik.

Das seit 1947 existierende, einzige Theater der Welt in einem Zoologischen Garten, gegründet als „Kleines Theater im Zoo“, erhielt nach seinem Gründer später den Namen „Fritz Rémond Theater im Zoo“ und bot – als Privattheater – anspruchsvolles Repertoire von Molière und Lessing bis Shaw und Bovell. Nun muss der Prinzipal Claus Helmer aus Krankheitsgründen das Haus schließen. Walter H. Krämer sah das letzte Stück.

Der Regisseur, der das Publikum abholen will, muss sich beeilen, um es einzuholen. Es ist ihm in seinen Erwartungen und Ansprüchen oft weit voraus; oft aber spricht ihm die neueste Darbietungsform so aus der Seele, dass es sie vor Glück auszuhauchen bereit ist. Martin Lüdke hat, in der Hoffnung, Shakespeares „Macbeth“ vorgespielt zu bekommen, einen Besuch im Schauspielhaus Frankfurt gewagt.

Mit den Choreografien „Boléro / Force Majeure“ von Eyal Dadon und David Raymond & Tiffany Tregarthen ist ein beeindruckender Doppelabend des Hessischen Staatsballetts im Staatstheater Darmstadt zu erleben. Ravels „Boléro“, schon als Ballettmusik entstanden, wurde in zwei Versionen gespielt und getanzt. Walter H. Krämer wurde beglückt.

Eine solche Ansammlung von Stars der Kehle wie im Salzburger Oster-Tannhäuser ist wohl nur selten, wenn überhaupt irgendwo auf der Welt zu erleben. Dafür wurden auch die höchsten offiziellen Eintrittspreise für ein Klassikfestival weltweit gefordert und bezahlt. Ob auch jede*r Zahlende wirklich wegen der Musik und ihrer Interpret*innen oder vielmehr wegen der exquisit-elitären Publikums-Gesellschaft gekommen war, mag dahingestellt bleiben. Andrea Richter fand jedenfalls die Besetzungsliste in Schrift und Ton beeindruckend und sprach mit Sebastian Kohlhepp (Walther von der Vogelweide).

Ein deutsches Requiem von Johannes Brahms an einem Karfreitag im Großen Festspielhaus in Salzburg zu hören, ist allein schon besonders. Dargeboten mit dem Gewandhausorchester, das das Werk 1869 erstmals vollständig aufführte, unter der Leitung seines heutigen Kapellmeisters Andris Nelsons und mit dem Chor des Bayerischen Rundfunks, machte den Abend für Andrea Richter zu etwas Unvergesslichem.

Torsten Rüther hat viel Staunenswertes in die Welt gesetzt, aber als Spielfilmregisseur, Drehbuchautor und Produzent hatte er sich vor „Leberhaken“ noch nicht bekannt gemacht. Damit jedoch, gleichsam aus dem Stand, beansprucht er mehr Aufmerksamkeit, als zu erwarten war. Alban Nikolai Herbst hält den Film, auch im Vergleich mit dem thematisch verwandten „Million Dollar Baby“ von Clint Eastwood, für ein künstlerisches Ereignis.

„Sein Gewissen war rein. Seine Seele war keusch.“ So charakterisiert Joseph Roth Mendel Singer, für den sein Gott alles Unglück bereithält, was er einem einzelnen Menschen aufbürden kann. Johanna Wehner hat ihre Bühnenfassung, die am Schauspiel Frankfurt zu erleben ist, nach Roths Roman „Hiob“ gestaltet. Und Antje Kroll hat sie sich angesehen.

Eine Ikone des französischen und des internationalen Films, auch auf der Bühne von enormer Präsenz, das ist Isabelle Huppert. Dass sich die schauspielerische Leistung der nun 70 Jahre alt gewordenen Künstlerin aus einem instinktiven Gespür für die szenische Bedeutung, vor allem aber aus ihrer professionellen Haltung herleitet, wird in einem Gespräch deutlich, das Marli Feldvoß 1995 mit ihr in Venedig geführt hat.

Der Biographie der Tänzerin und Choreographin Pina Bausch lässt sich entnehmen, wie sie sich von Station zu Station Schritt für Schritt von den traditionellen Vorgaben des klassischen Balletts, aber auch des Modern Dance frei macht und im Vertrauen auf Gefühl und Wahrheit, sowie im Austausch mit ihren Tänzerinnen und Tänzern eine neue Dimension des Tanzes schuf. Nun zeigt die Dokumentation „Dancing Pina“ die Bedeutung ihrer Arbeit. Thomas Rothschild hat sie sich angesehen.

Der Scala-Pianist Vincenzo Scalera begleitet nur die wirklich großen Sänger:innen des italienischen Fachs. Die Sopranistin Maria Agresta erobert längst die Bühnen der Welt, ist aber in Deutschland noch relativ unbekannt. Wer sie beim Arien- und Liederabend in der nur mäßig gefüllten Frankfurter Oper erlebt hat, ahnt, dass sich das bald ändern wird. Vielleicht wird dann zu ihren Ehren der Flügel von hässlichen Fingerabdrücken befreit, hofft Andrea Richter.

Nun also ein Theaterstück, und das gleich über alle Konventionen hinweg. – Ulf Erdmann Ziegler hat mit seinem Stück „Digitales Feuer“ die Vorlage für ein Ensemble geliefert, mit den eigenen und eigens dafür erfundenen, theatralen Möglichkeiten, die Zumutungen der Gegenwart zu verhandeln, ohne dem Publikum Resultate zu verkünden. Martin Lüdke hat neugierig im Publikum gesessen.

Junge Leute, die mit der Macht und ihren Verlockungen in Berührung kommen, erliegen der Verführung und unterliegen ihr, wenn ihnen nicht eine instinktive oder kritische Hemmung die drohende Einschränkung ihrer Handlungsfreiheit signalisiert. In Märchen und Legenden ist solche Naivität oft Ausgangspunkt der Erzählung. Sie ist auch Gegenstand in Otfried Preußlers Roman „Krabat“, der von Demis Volpi in ein Ballett verwandelt wurde. Walter H. Krämer hat es sich angesehen.

Eine echte Kuriosität: 1831 komponiert und erst 2016 in Italien uraufgeführt. Ihre deutsche Erstaufführung erlebte die Oper „Francesca da Rimini” von Saverio Mercadante vergangenen Sonntag in Frankfurt. Leider weitgehend ohne die musikalischen Zutaten, die eine Belcanto-Oper verlangt. Nach Meinung von Andrea Richter hätte deshalb noch weitere 185 Jahre auf das Werk gewartet werden können.

Paradoxerweise weckt alle flüchtige Kunst, vor allem, wenn sie gelingt, den Wunsch reproduziert zu werden. Das ist der eine Grund, warum es Regiebücher gibt. Der andere ist, die Sternstunde ungeschehen zu machen und den Text so zu verändern, dass er die Gegenwart reproduziert. Ein Regiebuch ähnelt deshalb einem Schlachtenplan, auf dem die unterschiedlichsten politischen, psychologischen, soziologischen und ökonomischen Interessen aufscheinen. Walter H. Krämer stellt das Buch der Regiebücher vor, das Martin Schneider herausgegeben hat.

Butho ist eine Ausdruckskunst, die sich gleichermaßen von der Tradition und der Moderne distanziert. Zugleich geht sie aufs Ganze. Ohne Vorgaben, Form oder gestisches Repertoire bringt der Künstler unmittelbar seinen Körper zur Sprache, die von seinen innersten Regungen erzählt. Ulrich Breth hat Tadashi Endos „Maboroshi“ in Frankfurt besucht.

Man glaubt nicht, wie viel der uns vertrauten klassischen Musik vor ihrer Premiere als unspielbar galt. Für Irvine Arditti, den Gründer des bekanntesten Streichquartetts für zeitgenössische Musik, gibt es nichts Unspielbares. Das Notierte in erfahrbare Kunst zu verwandeln, ist seine Lebensaufgabe. Achim Heidenreich hat dem nun Siebzigjährigen einen Geburtstagsartikel geschrieben.

Thelonious Monk gilt als einer der modernsten Pianisten aus der Mitte des 20. Jahrhunderts. Er hat mit so gut wie allen Größen des Jazz seiner Zeit musiziert. Dies bezeugen auch die jüngst auf CD erschienenen Aufnahmen, die sich Thomas Rothschild angehört hat.

Jürgen Flimm ist am 4. Februar 2023 81-jährig verstorben. Karlheinz Braun resumiert voller Hochachtung die Arbeitsleistung des Regisseurs, Intendanten, Schauspielers und Hochschullehrers. Dabei erinnert er sich an ein Wettrennen nach Erlangen vor 50 Jahren zu Studententheaterzeiten.

Ziemlich genau 290 Jahre nach der Uraufführung in London hatte Georg Friedrich Händels „Orlando“ an der Oper Frankfurt Premiere. Dieses dramma per musica schuf Händel 1732/33 während seiner Zeit an der italienischen Oper am Londoner Haymarket und benutzte eine literarische Vorlage, die ihrerseits eine Bearbeitung von Ariosts hochberühmtem Epos „Orlando Furioso“ war. In Frankfurt nun hat Ted Huffman – auch mit Hilfe des suggestiven Bühnenbilds nach einem Entwurf von Johannes Schütz – die wirre Handlung in eine stringente Form gebracht und durch Tanzeinlagen, die Jenny Ogilvie choreographiert hat, wirkungsvoll belebt. Die beiden Sopranistinnen Kateryna Kasper und Monika Buczkowska machten die Aufführung zu einem großartigen Opernabend. Stefana Sabin war in der Premiere.

Im Schauspielhaus Hamburg hat der Regisseur Falk Richter die „Combats et métamorphoses d’une femme“ des französischen Schriftstellers Édouard Louis dramatisiert. In diesem Stück, das im Deutschen „Die Freiheit einer Frau“ heißt, beendet eine Mutter ihre Leidenszeit mit ihrem Mann und setzt sich darüber mit ihrem Sohn auseinander. Walter H. Krämer hat das Stück gesehen.

„Blühen“ heißt eine Oper, die im Bockenheimer Depot uraufgeführt wurde. Das Werk wurde zwei Männern, dem Komponisten Vito Žuraj und dem Librettisten Händl Klaus, von der Oper Frankfurt in Auftrag gegeben. Es behandelt ein, selbst in unserer angeblich enttabuisierten Gesellschaft, dennoch weitgehend tabuisiertes, urweibliches Thema: das Bluten der Frau. Können Männer das wirklich sensibel behandeln? Die beiden können es, meint Andrea Richter.

Es waren nicht irgendwelche Filme, die man sieht und rasch vergisst. Von „Stranger than Paradise“ und „Down by Law“ bis „Paterson“ reichen die nachhaltigen Kinoerlebnisse, die Jim Jarmusch mit seiner eigenwilligen Arbeitsweise ermöglicht hat. Am 22. Januar wird der Regisseur, Drehbuchautor, Schauspieler, Kameramann und Filmproduzent 70 Jahre alt. Vor einem Vierteljahrhundert hat Marli Feldvoß in Venedig mit Jarmusch gesprochen.

Im Anschluss an das Salonkonzert der Edition Faust am 27. November 2022, zu dem Dr. Michele Sciurba und die Kammeroper Frankfurt einluden und bei dem das Trio Eranthis eine Standing Ovation des begeisterten Publikums für die Darbietung von Beethovens Klaviertrio Opus 1, Nr. 1, in Es-Dur und Mendelssohns Klaviertrio Nr. 1, Opus 49, in d-Moll erhielt, traf Sarah C. Schuster die Musiker:innen des Trios – Jaepyo Jeong (Klavier), Miwa Kawasaki (Violine) und Seung Yeon Lee (Violoncello) – zu einem Gespräch über den Weg zur Musik und das Leben als Musiker:innen.

2024 geht in Hamburg eine Ära zu Ende. John Neumeier, der schon an den Ballettcompagnien in Stuttgart und Frankfurt am Main leitende Positionen innehatte, war 1973 von August Everding zum Leiter des Hamburg Ballett berufen worden, das er mit seinen Choreographien berühmt machte. Das Finale seiner künstlerischen Arbeit wird nun mit einer Dokumentation verschönt, die die 50 Jahre Hamburg Ballett umfasst. Walter H. Krämer bespricht das Buch und die jüngste Fassung der „Hamlet 21“-Choreografie.

Volker Lösch (*1963) gehört zu den erfolgreichsten Regisseuren unserer Republik, und gleichzeitig ist er auch einer der umstrittensten – nicht zuletzt deshalb, weil er mit vielen seiner Arbeiten polarisiert und provoziert. Zwei seiner jüngsten Inszenierungen – „Recht auf Jugend“ (17.12.2022 in Bonn) und „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ (18.12.2022 in Bonn) – hat Walter H. Krämer besucht.

Im musikwissenschaftlichen Steckfeld hat jede Epoche, jede Gattung, jede Kategorie ihr definiertes Loch. Vermischungen, wie sie in der Realität vorkommen, sind nicht vorgesehen. Dabei gibt es auf den ineinander übergehenden Feldern Jazz und Klassik künstlerische Persönlichkeiten, die Erstaunliches leisten. Alban Nikolai Herbst hat die Pianistin und Komponistin Johanna Summer gehört und ist hingerissen.

Theater für Kinder und Jugendliche kann so schön, so berührend sein und braucht trotzdem große Fragen und Themen nicht außen vor zu lassen. So auch mit dieser Produktion, „TRÄUME. VOM ANKOMMEN UND WEITERZIEHEN“, die am 18. November im Theaterhaus Premiere hatte. Walter H. Krämer ist davon angetan.

Tschaikowski selbst fand, dass „Die Zauberin“ seine bis dahin beste Oper war. Bei Publikum und Kritik des zaristischen Russlands fiel sie bei der Uraufführung 1887 in Sankt Petersburg krachend durch. Zu stark damals die Regimekritik und die musikalische Modernität und Komplexität. Nun hat sie die Frankfurter Oper auf die Bühne gebracht. Andrea Richter fragt sich, wieso dieses Werk nicht die ihm zustehende große Bedeutung in den Spielplänen hat.

In Bregenz schwimmt die Opernbühne auf dem Wasser, und das unsichtbare Orchester könnte irgendwo auf der Welt spielen, übertragen wird sein musikalischer Beitrag über Lautsprecher. Spielt es wirklich? Aber darauf kommt es am Bodensee gar nicht an. Dort wird das geschätzt, was man kennt. Produziert für ein digitales Medium gewinnt das Spektakel allerdings an Qualität. Thomas Rothschild hat sich Puccinis „Madama Butterfly“ angesehen.

Die Neugier ist bei Menschen unterschiedlich ausgeprägt. Deshalb bedarf es zuweilen phantasievoller Anreize, um sie auf Wahres, Gutes und Schönes aufmerksam zu machen, – selbst wenn diese Anreize etwas abseitig wirken. Selten aber widersprachen sich Titel und Inhalt so heftig wie bei dieser CD: Spukhaus – veraltete Musik für Halloween. Thomas Rothschild preist die erstklassige Musik, die stattdessen darauf zu hören ist.

Der Ort Schabbach ist uns bekannt, obwohl er auf der Landkarte nicht verzeichnet ist. Doch in der „Heimat“ existiert er. Der Regisseur Edgar Reitz, der am 1. November 90 Jahre alt geworden ist, hat nicht nur die epochalen Heimat-Zyklen geschaffen. Sie aber dominieren sein Filmschaffen und vermutlich sein Leben. Marli Feldvoß hat in ihren Überlegungen zur Heimat-Trilogie die veränderlichen Bedeutungen, die die Heimat für Reitz im Laufe der Arbeit einnahm, beleuchtet.

Der Komponist schrieb das Libretto selbst. Es wurde eine Komödie mit nationalistischer Botschaft: Wenn man die deutschen Meister ehrt, ‚zerging in Dunst das heil’ge röm’sche Reich, uns bliebe gleich die heil’ge deutsche Kunst’. Johannes Erath inszeniert Wagners Meistersinger an der Oper Frankfurt als traumwandlerische, dunkel-groteske Posse. Stefana Sabin war auf der Premiere.

Kann die Intensität des musikalischen Zusammenspiels auf CD gebrannt werden? In gewisser Weise ja. Aber unser Affekt ist nicht immer pünktlich. Manchmal stellt sich die Begeisterung dafür zu früh ein und erkaltet dann schnell, oder sie fehlt unentschuldigt und kommt erst Jahre später zufällig vorbei. Solche Unzuverlässigkeit, die Alban Nikolai Herbst mit Michael Wollnys und Vincent Peiranis CD „tandem“ geschah, entzieht sich dem moralischen Vorwurf.

In 15 Kapiteln erzählt Joseph Roth die „Legende vom heiligen Trinker“, von Versprechen, die nicht zu halten sind; von Schulden, die kein Gläubiger anerkennen will, und von unwiderstehlichen Bistros, die die Vorsehung in den Weg gestellt hat. Der Schauspieler Alexander Waechter hat in seinem Theater franzjosefskai21 die Erzählung vorgetragen, und Thomas Rothschild ist davon angetan.

Jean-Paul Sartre hatte kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs die mit den Deutschen kollaborierende Petain-Regierung vor Augen, die jungen, linken Intellektuellen Frankreichs, aber auch die Ermordung Trotzkis durch einen Agenten Stalins. Das Drama „Die schmutzigen Hände“, das daraufhin entstand, wurde jetzt, frei von historischen Bezügen, in Frankfurt aufgeführt. Und Martin Lüdke hat es gesehen.

Obwohl die Geschichte zeigt, wie stark sich die Oper seit ihren Anfängen verändert hat und sich stetig weiter entwickelt, lebt sie doch von einigen Konstanten. Der jüngste Versuch einer Neuschöpfung kam, und das überrascht nicht, aus den USA: Das Nature Theater of Oklahoma präsentiert – An Opera: Burt Turrido. Martin Lüdke hat das Unternehmen gesehen, erlitten und genossen.

Allein die Idee ist verführerisch, vorhandene Liedtexte so zu kombinieren, dass eine Kriminalgeschichte daraus entsteht. Besonders herausfordernd für die Sopranistin Katharina Ruckgaber musste aber gewesen sein, die Abfolge der damit verbundenen Musik in einer ungewöhnlichen, der Geschichte gemäßen Anordnung vorzufinden. Thomas Rothschild schreibt, was daraus wurde.

Wer in den 70er Jahren des letzten Jahrhunderts in Frankfurt lebte, weiß, was gemeint ist mit dem brennenden Stuhl, der unübersehbar die Litfasssäulen erhellend verdunkelte. Gunter Rambow hatte mit ihm und anderen Plakaten dem Theater eine spektakuläre Außenwirkung verliehen. Harry Oberländer beschreibt in seiner Ansprache zu einer Ausstellung dieser Plakate in Güstrow, wo Rambow als Heranwachsender lebte, Werden und Wirken des Grafikers und Fotografen, der bis heute mit Angelika Rambow-Eschbach die Plakate der Frankfurter Oper gestaltet.

Der Komponist Hanns Eisler erzählte einst die Geschichte von einer Flaschenpost, die sein Exil-Kollege, Theodor W. Adorno im kalifornischen Exil in den Pazifik geworfen haben soll. Deren schlichte Botschaft sei gewesen: „Mir ist so mies“. Das Fazit der beiden Premieren, mit denen das Schauspiel Frankfurt die neue, hoffentlich erste Post-Corona-Saison eröffnet hat, könnte ähnlich lauten, urteilt Martin Lüdke.

Wie niemand vor ihm hat Jean-Luc Godard die Möglichkeiten des Films erkannt und genutzt. Er überwand die traditionelle Erzählweise, die das relativ neuem Medium aus der Literatur und dem Theater übernommen hatte. Wer seine Filme sah, wurde mit einem neuen Anspruch konfrontiert. Marli Feldvoß hat die Persönlichkeit und die Arbeit des genialen Regisseurs, der nun gestorben ist, skizziert.

Der erste Liederabend der Spielzeit 2022/23 der Oper Frankfurt war ein künstlerischer Paukenschlag. Die Sopranistin Asmik Grigorian und der Pianist Lukas Geniušas traten mit einem rein russischen Programm auf: Tschaikowski und Rachmaninow. Darf das heutzutage sein? Es muss sogar sein. Erst recht, wenn zwei wie diese beiden Künstler es tun, meint Andrea Richter.

Nachdem Papas Kino (mit Heimat, Schlager, Karl May und Edgar Wallace) tot war, hatte eine Gruppe junger, heute prominenter, Filmemacher den Neuen Deutschen Film hervorgebracht, der sich als Autorenfilm sowohl vom nach-kriegsdeutschen Provinzialismus als auch von der Hollywood-Industrie absetzte. Werner Herzog gehörte zu diesem Kreis und ist bekannt für seine intensive und spektakuläre Bildsprache. Marli Feldvoß hat auf der Berlinale 2010 mit ihm gesprochen und Bemerkungen zum dokumentarischen Charakter seiner Arbeiten angefügt. Und wir gratulieren ihm zum 80. Geburtstag.

Künstlern wird gerne alles und jedes angelastet, vorzüglich, wenn sie denn eines haben, – ihr politisches Engagement. Was jeder Bürgerin und jedem Bürger als ihr gutes Recht zugestanden wird, schlägt den Künstlern stets zum Nachteil aus. Der Musikerkomponist Frederic Rzewski, eine Persönlichkeit mit Ecken und Kanten und ein Feuerkopf dazu, gehörte zu den wenigen, die mit Wort und Musik Stellung nahmen. Jetzt hat Benyamin Nuss Rzewskis Klaviervariationen über „El pueblo unido“ eingespielt, die Thomas Rothschild empfiehlt.

Es gibt die Freiheit der Kunst. Und es gibt die Freiheit des Künstlers, im Einklang mit den Gesetzen unabhängig zu arbeiten. Aber wer nimmt diese Freiheit in Anspruch? Zweifellos hat sich Franz Hummel an die Vermeidungsstrategie der Neuen Musiker nicht gehalten. Er komponierte nicht durchs Nadelöhr, sondern verfügte und nutzte aus guten Gründen alle Register, die die Musikgeschichte bereitstellt. Nun, da Hummel gestorben ist, erinnert Achim Heidenreich an den eigensinnigen Künstler.

In München steht eben nicht nur ein Hofbräuhaus, sondern eine erstaunliche Anzahl kultureller Einrichtungen, die zu den bemerkenswerten Errungenschaften unserer Zivilisation zählen. Nach der Aufhebung der Einschränkungen, unter denen alle während der Pandemie gelitten haben, gelang es Walter H. Krämer, seine Eindrücke von den künstlerischen und sportlichen Aktivitäten aus der bayerischen Hauptstadt für uns zu sammeln.

Wer sich nach nicht-akademischer Kunst auf höchstem Niveau sehnt, geht zu den Aufführungen von Heiner Goebbels. Dabei ist es schon nahezu egal, worum es im Einzelnen geht. Er fordert unsere Intelligenz heraus, bietet musikalische Erfahrungen an, die ebenso beeindruckend sind wie die Bilder und mit ihrer rätselhaften, frappierenden Schönheit ein für alle Mal in unseren Köpfen bleiben. Zum 70. Geburtstag des Künstlers gratuliert Achim Heidenreich.

Waren die beiden Regisseure Max Ophüls und sein dänischer Kollege Carl Theodor Dreyer Frauenversteher? Die beiden Filme „Letter Of An Unknown Woman” (1948) und „Gertrud” (1964) liefern gute Argumente für die Annahme dieser These. In beiden werden Gefühllosigkeit und Egozentrismus von Männern für das Scheitern erfüllter Liebe verantwortlich gemacht. Tatsächlich ist es bei genauerem Hinsehen dann aber doch nicht so einfach, zeigt Thomas Rothschild.

Mit John Cage, der vor 30 Jahren gestorben ist, betrat ein Komponist die Musikgeschichte, der mit fast allen schriftlichen Traditionen europäischer Klangerfindung brach. Das machte ihn zur Ikone der neuen Kunstmusik. In den Auszügen aus einem Interview, das Bernd Leukert 1975 mit dem Komponisten führte, erklärte er, worum es ihm ging.

Wer jemals „Take Five“ gehört hat, wird das Stück ein Leben lang nicht mehr aus dem Kopf kriegen. Das liegt nicht nur am ungewöhnlichen Fünfviertel-Takt, sondern an Paul Desmonds musikalischen Ausdrucksweise. Der Saxophonist, der das Stück auch komponiert hatte, greift einem mit seinem fließend gehauchten Spiel unmittelbar ins Gemüt. Von seinen Studioproduktionen auf CD und anderen Veröffentlichungen von Musikern, deren Namen allein schon klingen, berichtet Thomas Rothschild.

Der Film funktioniert, wenn er gut ist, sagt Chen Kaige, nicht, wenn er bedient, was man gerne sehen will. 2005 kam sein Film „Wu Ji – The Promise” (deutsch: Wu Ji – Die Reiter der Winde) heraus, der bis dahin teuerste chinesische Film. Marli Feldvoß traf den Regisseur auf der Berlinale 2006, wo der Film vorgestellt wurde.

Ulrike Ottinger, gerade 80 Jahre geworden, steht als Autorin, Regisseurin, Kamerafrau, Malerin, Fotografin für den avantgardistischen Film, für Theater und ethnographische Dokumentarfilme. Angeregt vom Expressionismus der frühen Stummfilme, vom Surrealismus und Dadaismus entwickelte sie eine eigene zeitgenössische Filmsprache, in der nichts zufällig ist. Marli Feldvoß hat sich ihrem Werk in einem Essay angenähert.

Die Liste der Monodramen ist überraschend lang. Das mag ökonomische Gründe haben, sich aus Künstlerfreundschaften ergeben oder dem Wunsch entspringen, die Aufmerksamkeit – möglichst ohne Bühnenhandlung – auf das Wort der Persona zu lenken. Mit dieser Konzentration hat, wie Walter H. Krämer erleben durfte, der in Syrien geborene Schauspieler Abdul Aziz Al Khayat in der Frankfurter Produktion von Wajdi Mouawads „Im Herzen tickt eine Bombe“ beeindruckt.

Wenn die Sehnsucht nach der Besinnungslosigkeit auf den Triebverzicht verzichtet, ist Ballermann nicht weit. So jedenfalls spiegelt sich das in den Texten des Liedguts, das sich gut zum Mitgrölen eignet. Die übelsten solcher Botschaften, wie sie im Fall „Layla“ die Gemüter erregen, stehen, wie Michael Behrendt erzählt, in einer lange hingenommenen Tradition.

Mit dem Intendanten Jochen Sandig wurden die Ludwigsburger Schlossfestspiele zum „Fest der Künste, Demokratie und Nachhaltigkeit“. Nachhaltiger war aber zunächst die Corona-Pandemie, die die Festspiele verhinderte. Nun, da man glaubt, die Gefahr sei vorüber, wurde für den Neustart das Publikum des sonst anspruchsvollen Festivals niedrigschwellig umworben. Thomas Rothschild beschreibt, wie das gelang.

Komponieren bedeutet wörtlich ‚zusammenstellen’, ,zusammenfügen’. Man fragt sich allerdings, wo Komponisten zeitgenössischer Kunstmusik, die nicht wiederholen mögen, was schon zu hören war, ihre Töne her beziehen. Jede Komponistin, jeder Komponist wird die Frage mit jedem Stück anders beantworten. Bei Nicolaus A. Huber (geb. 1939), von dem einige Werke auf der CD ‚AION’ veröffentlicht wurden, sind die Klangquellen nicht unbedingt hörbar, aber Ernst August Klötzke beschreibt sie.

Ebony and Ivory? Seit langem wird die Auseinandersetzung um die richtigen Pigmente in der Musik und, vor allem, in der Jazzkritik geführt. Weißen Musikern wird die kulturelle Aneignung Schwarzer Musik unterstellt. Ein nicht ganz makelloser Antirassismus-Song wollte Frieden schaffen: Zu kurz gedacht. Michael Behrendt macht sich Gedanken zum Musikinstrumentenbau und zur ersten vegan zertifizierten Violine.

Hans-Klaus Jungheinrich war unter den Kulturjournalisten eine herausragende, eigenwillige Persönlichkeit, feinfühlig und erfahren, gebildet und klug zugleich, wenn er sich, wie meist, mit Musik befasste; auch kompositorisch denkend, wenn es um sprachliche Gestaltung ging. Ernst August Klötzke, der dessen Buch „Eine kurze Geschichte der Oper in 35 Bildern“ in der erweiterten Neuauflage las, weiß solche Qualitäten zu schätzen.

Nach der Uraufführung in Berlin 1968 wurde Luigi Dallapiccolas Oper Ulisse nur noch zwei Mal inszeniert, 1980 in Oldenburg und 1986 in Turin. Jetzt gibt es an der Oper Frankfurt eine neue Inszenierung, die die melancholische Stimmung des komplexen Werks ins Alberne wendet, findet Stefana Sabin. Dennoch ist die Inszenierung eine Gelegenheit, einen Klassiker der Moderne kennenzulernen.

Der russische Theater-, Opern- und Filmregisseur Kirill Serebrennikov ist eine der wenigen verbliebenen unabhängigen Stimmen der russischen Zivilgesellschaft. Jetzt hat er in seinen Social-Media-Kanälen mit einem poetischen Essay Stellung bezogen und sehr viel Aufmerksamkeit erhalten.

Japanische Geisha trifft amerikanischen Marineoffizier. Da werden nicht nur zwei unterschiedliche Kulturen zusammengespannt, sondern auch zwei Charaktere, die schwer zueinander passen. Das kann nicht gut gehen. Wie kann man das plausibel gestalten? In der neuen Frankfurter Inszenierung von Giacomo Puccinis Oper „Madama Butterfly” siegen Musik und Gesang über Regie und Dramaturgie, findet Stefana Sabin.

Eine musikalische Matinee in der Alten Oper Frankfurt war der Auftakt auf den hessenweiten „Tag für die Musik“. Stefana Sabin war dabei.

Eine neue Musikergeneration zieht in Konzertsäle und Opernhäuser ein. Talentierte und blendend ausgebildete Sänger:innen und Pianisten tragen mit Verve, Können und ausgefallenem Repertoire dazu bei, dass die noch vor wenigen Jahren angeblich vom Aussterben bedrohte Art des Liederabends gerettet werden kann. Zwei, die den eigenen Spaß am Tun auf das Publikum übertragen, sind Jakub Józef Orliński (Countertenor) und Michał Biel (Klavier), findet Andrea Richter.

Als sei aus den Künstler:innen alles Könnens- und Kreativpotential rausgeplatzt, was so lange unter dem Corona-Deckel gegärt hat. So kam es jedenfalls Andrea Richter vor. Fulminant in jeder Hinsicht nennt sie die Premiere des Frankfurter „A Midsummer Night’s Dream” von Benjamin Britten.

Die Massenmedien befürchten, ihre Massen zu verlieren, indem sie sie überfordern. Indem sie also das Gegenteil tun, opfern sie ihre vornehmste Aufgabe. Gegen diese fürsorgliche Herabwürdigung hat Michael Haneke seine Filme gesetzt. Im „Das weiße Band“ geht es „um ein gesellschaftliches Klima, das den Radikalismus ermöglicht“. Als der Film 2009 herauskam, sprach Marli Feldvoß mit dem Regisseur und Drehbuchautor.

Beethoven hatte der 1939 geborene Komponist und Pianist Franz Hummel schon lange im Blick. In den 90er-Jahren des letzten Jahrhunderts wurde er mit seinem im Altmühltal situierten Musikfestival „Sinfonischer Sommer Riedenburg“ bekannt. Nun hat er, wie Achim Heidenreich beschreibt, den Klassiker auf die schönen Stellen hin für Violine und Orchester bearbeitet und mit der Solistin Elena Denisova auf CD veröffentlicht.

Obwohl die Uraufführung 1898 in Mailand und die deutsche Erstaufführung 1899 in Mainz Erfolge waren, geriet Umberto Giordanos Fedora in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Vergessenheit. Im 21. Jahrhundert wurde diese Verismo-Oper wiederentdeckt. Stefana Sabin hat die gelungene Inszenierung von Christoph Loy mit Nadja Stefanoff und Jonathan Tetelman in den Hauptrollen in Frankfurt gesehen.

Gegen Gewalt ist Musik machtlos. Für diese Machtlosigkeit steht besonders das Requiem. Es ist immer für die Hinterbliebenen geschaffen, vermutlich, um sie zu trösten. Doch es geschieht, dass es kein Trost ist, sondern ein Aufschrei gegen den Krieg. Alban Nikolai Herbst erlebte Verdis Requiem in der radikalen Interpretation der Berliner Philharmoniker unter Daniel Barenboim.

Endlich wieder Theater. Richtiges Theater, auf der großen Bühne des Schauspiels Frankfurt, mit vielen Zuschauern. Man kann sich mit dem „diskreten Charme der Bourgeoisie“ gut unterhalten, es gibt viel zu sehen und wenig Grund zum Ärgern. Denn die zwei Stunden, ohne Pause, gehen schnell vorbei. Was bleibt: Das sind Fragen, stellt Martin Lüdke fest.

In nur einem Monat soll Gioachino Rossini die Oper „Bianca e Falliero“ geschrieben haben, die an der Mailänder Scala 1819 mit mäßigem Erfolg uraufgeführt und danach vernachlässigt wurde. Nun wird dieses Melodram an der Oper Frankfurt als familien- und staatskritisches Stück gezeigt. Stefana Sabin war bei einer Aufführung dabei.

Es gibt viele Sprüche in der „Dreigroschenoper“, denen wir einen großen Wahrheitsgehalt zusprechen müssen. Nur, dass der Haifisch die Zähne nicht im Maul, sondern im Gesicht trägt, will nicht so recht überzeugen. Aber gerade solche Unstimmigkeiten halfen der Oper mit zum Erfolg. Nun hat Barrie Kosky in Berlin den Evergreen neu inszeniert, und Walter H. Krämer hat ihn gesehen.

Den Traum vom ewigen oder wenigstens von einem 300-jährigen Leben hat Karel Čapek den Kaiser Rudolf II. träumen lassen. Sein Leibarzt Hieronymos Makropulos sollte das passende Getränk dafür anrühren und sogleich an seiner Tochter Elina ausprobieren. Diese Vorgeschichte führt zu Leoš Janáčeks Oper „Die Sache Makropulos”, die jetzt an der Staatsoper Unter den Linden Berlin am 13. Februar 2022 Premiere hatte. Alban Nikolai Herbst war beeindruckt.

Aus den Intermedien, Zwischenspielen, die im 15. Jahrhundert entstanden und zwischen geistlichen oder dramatischen Werken aufgeführt wurden, sei die Oper entstanden, lautet eine der musikhistorischen Theorien. In der Kirchenoper fließt, was getrennt war, ineins. Jedenfalls hat das der 1952 gestorbene, dänische Komponist Rued Langgaard mit seiner Oper „Antikrist” in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts versucht. An der Deutschen Oper Berlin wurde das Werk inszeniert, und Alban Nikolai Herbst hat es kritisch gehört und gesehen.

Für den mährischen Komponisten Leoš Janáček waren nicht nur Sprachmelodien Grundlagen seiner Kompositionen. Das Meer, der Wald und der ganze Alltag spielte ihm Melodien zu, die er sich unentwegt notierte. Dabei stieß er auf das Phänomen der Übergänge, der Kippfiguren und des Bewusstseins, das seinen eigenen Gesetzen folgt. Kerstin Lücker hat die merkwürdige Oper „Das schlaue Füchslein“ daraufhin durchgesehen.

Wir müssen uns wohl daran gewöhnen, dass die Rock- und Popstars des letzten Jahrhunderts nicht ewig auf den Bühnen herumturnen, sondern allmählich in die Grube fallen oder zum Olymp auffahren, wenn nötig, beides. Nun hat es Meat Loaf getroffen, der zu den vertrackt-ironischen Pathetikern unter den bekannten Art-Rock-Performern gehörte. Michael Behrendt erinnert an Leben und Wirken des charismatischen Künstlers.

Der Kinofilm, sollte man meinen, ist ein Gesamtkunstwerk, dessen Komposition aus Bildern, Erzählungen, Dialogen, Geräuschen und Musik besteht. Und doch werden wir immer wieder darauf hingewiesen, dass es beim Film vor allem um die Bilder geht. So auch von der 2019 gestorbenen Regisseurin Agnès Varda, die mit Marli Feldvoß 2009 über ihren Film „Die Strände von Agnès“ gesprochen hat.

Was da in den 50er und 60er Jahren an künstlerischen Aktivitäten in Polen Bahn brach, galt auch in unseren, gewöhnlich gut informierten Kreisen als Sensation. In der Zeit der „kleinen Stabilisierung“ unter dem Staatschef Władysław Gomułka schritt die polnische Kultur zur Avantgarde. Thomas Rothschild berichtet von der Schallplattenserie „Polish Jazz“, die die Produktionen und Live-Mitschnitte dieser Jahre repräsentiert.

Er improvisiert nach strengen Regeln, hat mehrere Bands gegründet, arbeitet mit Rockmusikern, Ensembles für Neue Musik, Wüstenbewohnern, Jazzern und komponiert mit Hilfe von Algorithmen. Und mit seinen Opern überschreitet er Grenzen. Bernd Leukert gibt Einblick in das Leben und Werk eines arbeitswütigen Künstlers.

„When the Dust settles“ nannte die Frankfurt Dance Company ihre Aufführung mit dem hr-Sinfonieorchester im Bockenheimer Depot: „Wenn der Staub sich legt.“ Die Musik dazu kam von Giacinto Scelsi, Ferruccio Busoni, John Tavener und den lebenden Zeit-genossen Steve Reich, Arvo Pärt, Wolfgang Liebhart und Johannes S. Sistermanns, überwiegend Klassiker der neuen Musik also, die Walter H. Krämer im Einklang mit der Körper- und Lichtkunst erlebte.

Zwei Umstände, die sich bedingen, werden bei zeitgenössischen Inszenierungen historischer Stücke gern beklagt: die mit der Zeit sich verwirkenden Anspielungen, weil ein wahrnehmbarer Wandel diese Bezüge preisgibt, und der Aktualisierungswille, weil das Publikum für unfähig gehalten wird, den Transfer zu leisten. Martin Lüdke hat das Stück „Der Selbstmörder“ des russischen Autors Nikolai Erdmann am Wiener Burgtheater gesehen und es als problematisch empfunden.

Der Dirigent Teodor Currentzis ist seit längerem zu einem Thema geworden, das die musikliebende Gesellschaft bis in die Familien hinein spaltet. Die einen spucken Feuer, weil er nicht normvollendet dirigiert, die anderen begeistern sich an dem, was sie hören. Alban Nikolai Herbst hat die Fünfte Mahler in der Berliner Philharmonie gehört, die dort von dem Ensemble MusicAeterna unter ihrem Leiter Teodor Currentzis gegeben wurde, und beschreibt ein unbegriffenes Phänomen.

Alles, was in ein Märchen für Erwachsene gehört, hat William Shakespeare in seinen „Sommernachtstraum” gesteckt: Elfen und ihre Brüder, die koboldigen Alben, Liebeszaubertränke, Verführungen, verwirrte und verwechselte Liebespaare, ein zum Esel verwandelter Weber, Theater im Theater – und das alles in einem mythischen Athen. Benjamin Britten hat daraus seine erfolgreichste Oper komponiert. Alban Nikolai Herbst hat sie an der Deutschen Oper Berlin erlebt.

Von Schirachs Erzählungsbände VERBRECHEN, SCHULD und STRAFE wurden zu millionenfach verkauften internationalen Bestsellern, die in mehr als vierzig Ländern erschienen. Sein Theaterstück TERROR, das am 3.10.2015 zeitgleich in Frankfurt am Main und Berlin uraufgeführt wurde, zählt zu den weltweit erfolgreichsten Dramen unserer Zeit. In seinem zweiten Theaterstück GOTT – uraufgeführt am 12.09.2020 am Berliner Ensemble – verhandelt der Autor das Sterben des Menschen. Am Ende der Aufführung ist dann das Publikum aufgefordert, über die Frage der Sterbehilfe abzustimmen. Heinz Kreidl führte Regie; Walter H. Krämer hat es sich angeschaut.

Die vieraktige „Yvonne, die Burgunderprinzessin“ hat Witold Gombrowicz 1935 verfasst. Es ist eine Komödie, die sich aus einer Tragödie speist. Nun hat auf der großen Bühne des Frankfurter Schauspiels Mateja Koleznik das Stück, das gut in die Zeit des absurden Theaters zu passen schien, so beeindruckend inszeniert, dass Martin Lüdke seinem Zauber erlegen ist.

„Burn After Reading“ ist eine abenteuerliche Kriminalkomödie, die mit einer Starbesetzung im Geheimdienstmilieu spielt: George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Brad Pitt und Tilda Swinton. Regie führten Ethan und Joel Coen, mit denen Marli Feldvoß bei der Premiere des Films 2008 in Venedig sprach.

Colettes Roman „Chéri“ erschien 1920. Stephen Frears, der den Stoff mit Michelle Pfeiffer und Rupert Friend mitsamt der dekadenten Pracht der Belle Époque nach dem Drehbuch von Christopher Hampton inszenierte, nannte seinen Film eine Komödie der Eitelkeiten. 2009, im Erscheinungsjahr des Films, sprach Marli Feldvoß auf dem Münchner Filmfest mit dem Regisseur.

Bisher ließen Konzertveranstalter die Trennung von klassischer Instrumentalmusik und Lautsprechermusik möglichst unangetastet. Bei den „Sommerlichen Musiktagen Hitzacker 2021” aber wurde mit Clemens von Reusners Komposition KRENE eine neue, zeitgenössische Teilhabe an Schuberts letzter Sonate erprobt. Michael Hoeldke beschreibt, was da vor sich ging.

Weil Musik, anders als Sprache, nicht aus Bedeutungsträgern besteht, ist sie nicht zu fassen. Umso wirkmächtiger greift sie uns ins Gemüt, – was sie der Macht unverfügbar macht und der Marktwirtschaft zu attraktiv erscheint, um sie nicht zu instrumentalisieren. Kerstin Lücker denkt in ihrem Kommentar darüber nach.

Seit 50 Jahren macht Willy Praml Theater, obwohl er doch Metzger werden sollte. Vor 30 Jahren wurde das Theater Willy Praml gegründet, das sich ab 2000 in der weiträumigen Naxos-Halle angesiedelt hat und, schreibt Walter H. Krämer in seinem Jubiläumsbeitrag, zu bestimmten Zeiten den Eindruck erweckte, das eigentliche Stadttheater der Stadt zu sein.

Das Theater führte sie zusammen: Peter Iden, einst Feuilletonleiter der Frankfurter Rundschau, Karlheinz Braun, Mitgründer und bis 2003 Geschäftsführer des Verlags der Autoren. Gemeinsam leiteten sie das Frankfurter experimenta-Festival 1-5, in dessen Rahmen Peter Handkes „Publikumsbeschimpfungen“ uraufgeführt wurde. Gemeinsam verantworteten sie auch das Theaterprogramm der documenta 5 in Kassel. Beobachtend und eingreifend sind Peter Iden und Karlheinz Braun selbst Teil der deutschsprachigen Theatergeschichte. Eine Auswahl der von Peter Iden in den letzten vierzig Jahren verfassten Theaterkritiken ist jetzt unter dem Titel „Der verbrannte Schmetterling“ erschienen.
Karlheinz Braun befragt den langjährigen Freund und Kollegen über Aufbau und Leitmotive dieser Sammlung.

Der Frankfurter Oper gelingt eine unterhaltende Inszenierung der vergessenen Oper von Domenico Cimarosa „L’Italiana in Londra”. Stefana Sabin hat die Aufführung gesehen und sich amüsiert.

Die bei sinkender Zahl der versammelten Menschen verminderte Ansteckungsgefahr macht’s möglich. Die Theatersaison konnte beginnen, und zwar mit einer Erzählung von Heinrich von Kleist und einem Roman von Upton Sinclair. Martin Lüdke war im Frankfurter Schauspielhaus. Er hat sich nicht gelangweilt, nur geärgert.

Der iranische Regisseur Mohammad Rasoulof hat für seinen Film “Doch das Böse gibt es nicht” zu Recht den goldenen Bären auf der Berlinale 2020 gewonnen. Es geht darin um die Todesstrafe und die Formen, sich dazu zu verhalten. Möglichkeiten, sich dem Befehl zu widersetzen, werden genauso durchgespielt, wie blinder Gehorsam. Eine kraftvoll-poetische Produktion voller Subtexte, die sich nur auf einer großen Kinoleinwand entfalten können, meint Riccarda Gleichauf.

Im Laufe der Geschichte hat die zeitgenössische Kunstmusik nahezu alles, was sie noch im 19. Jahrhundert ausmachte, abgeschüttelt. Sie hat sich von tradierten Erwartungen befreit und sich zum Beispiel auf die Physiognomie des Klangs selbst konzentriert. Ernst-August Klötzke beschreibt anhand der Doppel-CD „Zerstörung des Zimmers/ der Zeit“, wie der österreichische Komponist Christian Ofenbauer damit Musik macht.

Schönes Wetter, niedrige Inzidenz, hohe Impfquote und die Lust auf legales Fußball-Europameisterschafts-Rudeln im Freien nach Monaten der Gemeinschafts-Abstinenz waren die Konkurrenten für die Premiere der konzertanten Aufführung von Ariadne auf Naxos. Deshalb spendeten noch weniger Hände Applaus für Applaus bedürftige Künstler, als es rein Corona-bedingt hätten sein können. Doch jeder, der nicht ins vorzüglich pandemiegesicherte Opernhaus gekommen war, hat wirklich etwas verpasst, meint Andrea Richter.

In der Frankfurter Festhalle startete die Tour der Band YELLO, der danach Auftritte in Zürich, Hamburg, München, Wien, Stuttgart und Köln folgen werden. Die Pioniere des Elektro-Pop haben im fortgeschrittenen Alter ihre Bühnenängste abgelegt und – mit Ausnahme in New York 1983 und eines ersten, vier Mal ausverkauften Testlaufs in Berlin im vergangenen Jahr – noch nie gemeinsam auf der Bühne gestanden. Isa Bickmann war Zeugin ihres Frankfurter Auftritts.

Wer ist der Faust von heute? Lassen sich aus Goethes berühmten Dramen bereits Hinweise auf die gegenwärtige Krise Europas ableiten? Die Neuinszenierungen der beiden Faust-Teile am Schauspiel Frankfurt haben im Schatten der Bankentürme diese Fragen ins Zentrum ihrer Interpretation gestellt. Regisseur Stefan Pucher löst zusammen mit dem Dramaturgen Michael Eberth im ersten Teil Faust radikal aus gewohnten Ordnungsmustern. Mit Videoclips, Rocksongs und intuitiv gesteuerter Montage wird strenge Szenen-Logik außer Kraft gesetzt, um für neue Figurationen Platz zu schaffen.
Wie die Inszenierung auf die Jetztzeit verweist und Faust als Sinnbild eines „zum Selbst geschrumpften Helden” „am Kreuzweg zwischen Liebe und Lebensgier eine fatale Entscheidung trifft”, beschreibt Michael Eberth in einem Gespräch mit dem Verleger Karlheinz Braun.

„Wenn ihr diesen Song nicht schnell abmischt, werde ich ihn euch klauen!“, soll David Bowie über „Reflektor“ gesagt haben. Daraus wurde dann ein gesanglicher Gastbeitrag des erklärten Arcade-Fire-Fans. Für das einzige Deutschland-Konzert ihrer Europa-Tour im April kam die kanadische Band nun in die Frankfurter Festhalle. Claudia Olbrych war bei dem Auftritt dabei.

Ein kontroverser Song, ein starkes Album, historische Meilensteine, überraschende künstlerische Konstellationen: Die Reihe Pop-Splitter gibt unkonventionelle Einblicke in die wundersame Welt der Popkultur.

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Eines der wenigen noch wirksamen Tabus ist der nackte Mensch. Wie die nackte Wahrheit ist er uns zumeist peinlich. Das Theater und seltener das Tanztheater haben für die Angstlust gern mit dieser Nacktheit provoziert. Die Wiener Choreografin Florentina Holzinger ist indessen, auf die Körper konzentriert, ungleich radikaler. Thomas Rothschild beschreibt ihre Kunst.

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Wenn bühnentechnisch nur begrenzte Mittel zur Verfügung stehen, ist die Besinnung auf den Kern eines Werkes notwendig. Die Regisseurin Brigitte Fassbaender hat im Passionsspielhaus der Tiroler Festspiele in Erl bewiesen, dass „Das Rheingold” von Richard Wagner in seiner Essenz ein Kammerspiel ist. Als beeindruckend dramatisches, streckenweise komisches und musikalisch wunderbares Beziehungs-Geflecht hat Andrea Richter es erlebt.

E, die Ernste Musik, und U, die Unterhaltungsmusik, das entspricht den Absichten des Apollinischen und des Dionysischen. Ist das Ernste stets einer geschichtsphilosophischen oder religiösen Moralvorstellung unterworfen, beharrt das Unterhaltende auf unbekümmerte Körperlichkeit und dem Vergnügen des Hier und Jetzt. In der Überschneidung beider Sphären hat Hans-Klaus Jungheinrich hörenswerte CD-Neuveröffentlichungen gefunden.

Wer auch nur ahnt, wie viel Musik für Klavier komponiert wurde und wie viel davon seit der Ära der Tonträger davon aufgezeichnet wurde, wird darüber staunen dürfen, wie viel davon aufgezeichnet, aber nicht veröffentlicht wurde. Was in letzter Zeit von Scarlatti bis Ligeti auf CDs erschien, eingespielt von bekannten Musikern von Walter Gieseking bis Yuja Wang, hat Hans-Klaus Jungheinrich in seinem letzten Beitrag vor seinem plötzlichen Tod assoziativ miteinander in Beziehung gesetzt.

Auf den Vasen der griechischen Antike sieht man Menschen, die mit Lyra, Kithara oder Aulos musizieren. Was sie gespielt haben und wie das klang, wissen wir nicht. Der Blockflötist und Komponist Conrad Steinmann vergegenwärtigt nicht nur mit seinem „Ensemble Melpomen“ altgriechische Musik, er hat auch in seinem Buch „Nachklänge“ alles Wissenswerte über die Instrumente und die Musik der griechischen Klassik zusammengetragen. Jakob Ullmann empfiehlt, es aufmerksam zu lesen.

Von höchster Gesangs- und Klavierkunst kann gesprochen werden, wenn das Piano kaum noch zu hören ist und dennoch klar und mühelos einen Saal füllt. Anna Lucia Richter (Mezzosopran) und Ammiel Bushakevitz (Klavier) stellten diese Kunst bei ihrem Liederabend in der Oper Frankfurt auf Weltklasse-Niveau unter Beweis, fand Andrea Richter.

Mit pandemiebedingter Verspätung zeigen die Städtischen Bühnen Frankfurt Lucia Ronchettis Inferno im Bockenheimer Depot in einer beeindruckenden konzertanten Aufführung. Stefana Sabin war unter den wenigen Zuschauern.

Kaum hatte man sich wieder daran gewöhnt, in die Oper zu gehen, ist schon die Saison wieder zu Ende! Denn mit der Aufführung von Francis Poulencs Oper „Dialogues dés Carmélites” beendet die Oper Frankfurt eine pandemiebedingt kurze Saison und verabschiedet sich in den Sommer. Stefana Sabin hatte doch noch Gelegenheit, die Poulenc-Inszenierung zu sehen.