Der Titel der Ausstellung von Martin Wenzel ist ein Zitat des Science-Fiction-Autors H.G. Wells. Dem Autor von Werken wie “Der Krieg der Welten” oder “Die Zeitmaschine” kann man durchaus ein dystopisches Weltbild zuschreiben. Umso schöner ist es, dass der Anblick von Radfahrern Wells optimistisch stimmen konnte. Der Autor war ein begeisterter Radfahrer, genau wie der Künstler Martin Wenzel.

Von banalen Alltagsgegenständen wie bunten Spülschwämmen, über Bananenaufkleber aus der ganzen Welt, Einwegbesteck und Fahrrädern bis hin zu Leuchtreklamen von bekannten Marken: Mit der Ausstellung “Was wir sammeln” fragt das Museum Gestalter:innen aus dem Großraum Frankfurt am Main, was und warum sie privat sammeln.

“Meine liebe Hanna!“, so beginnen in der Regel die Briefe von Kerkovius. Die enge Freundschaft der beiden Frauen ist durch viele Briefe von Kerkovius gut dokumentiert; auch wenn nur dieser Teil der Korrespondenz erhalten ist, wird ihr vertrauensvolles Verhältnis deutlich. Die Ausstellung beleuchtet diese besondere Künstlerinnenfreundschaft, anhand derer bedeutsame Entwicklungen in der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts betrachtet werden können und zwei Frauen in den Blick rücken, die beide ein sehr unkonventionelles Leben geführt haben.

Was macht eine Stadt aus? Wie lebten und leben die Bürger*innen in Frankfurt? Welche Beziehungen pflegen sie mit Nachbarn und Fremden? Die Dauerausstellung “Frankfurt Einst?” geht diesen und vielen anderen Fragen nach. Auf 2.000 qm und in fünf Galerien wird die Stadtgeschichte auf ihre Eigenlogiken, wechselnden Identitäten und Zuschreibungen untersucht. Sie folgt keinem chronologischen Rundgang durch die Geschichte, sondern gliedert sich nach den Eigenschaften, die Frankfurt prägten und bis heute prägen.

Zum vierten Mal veranstaltet die Kinothek Asta Nielsen e.V. “Remake. Frankfurter Frauen Film Tage”. “Remake” zeigt rund 60 Kurz- und Langfilme aus über 100 Jahren Filmgeschichte, darunter als deutsche Kinopremiere Kelly Reichardts neuesten Spielfilm SHOWING UP (USA 2022). Die sechs Festivaltage werden durch “Remake On Location” Screenings in den Wochen vor und nach dem Festival erweitert.

Mit einer Hommage an Claudia Cardinale ehrt die 29. Ausgabe des italienischen Filmfestivals VERSO SUD die Schauspielerin. Cardinales Tochter, Claudia Squiteri, präsentiert zum Festivalstart den Publikumserfolg LA RAGAZZA DI BUBE (Bebo’s Girl, 1964), einer der ersten Filme, in dem Claudia Cardinale eine zentrale Rolle spielte, sowie ein Buch und den kürzlich erschienenen Kurzfilm UN CARDINALE DONNA über Cardinale.

Zu einem der originellsten und einflussreichsten Künstler der Gegenwart zählt der Amerikaner Richard Tuttle. Seit den Anfängen entzieht sich Richard Tuttles künstlerisches Schaffen einer kategorischen Einordnung und zeugt vielmehr von einer ungebrochenen Neugier und Experimentierfreude. In der Galerie Christian Lethert sind nun neue Arbeiten auf Papier ausgestellt, die subtil und lebendig zugleich sind. Seine poetischen Verbindungen von Farbe und Worten werden teils hängend in Künstlerrahmen aus hellblauer Seide und Blattgold präsentiert, teils liegend auf einem acht Meter langen Tisch.

Der deutsch-ameri­ka­ni­sche Künst­ler Lyonel Feinin­ger (1871–1956) ist ein Klas­si­ker der moder­nen Kunst. Die SCHIRN widmet dem bedeu­ten­den Maler und Grafi­ker die erste große Retro­spek­tive seit über 25 Jahren in Deutsch­land und zeich­net ein umfas­sen­des und über­ra­schen­des Gesamt­bild seines Schaf­fens. Bekannt ist Feinin­ger für seine Gemälde von Bauwer­ken, kris­tal­line Archi­tek­tu­ren in beein­dru­cken­der Monu­men­ta­li­tät und Harmo­nie der Farben. Die SCHIRN präsen­tiert selten gezeigte Haupt­werke, aber auch weni­ger bekannte Arbei­ten wie die vor kurzem wieder­ent­deck­ten Foto­gra­fien des Künst­lers. Mit rund 160 Gemäl­den, Zeich­nun­gen, Kari­ka­tu­ren, Aqua­rel­len, Holz­schnit­ten, Foto­gra­fien und Objek­ten zeigt die Ausstel­lung wich­tige Themen und Entwick­lungs­li­nien auf, die Feinin­gers Werk geprägt und unver­wech­sel­bar gemacht haben.

Die Ausstellungreihe “Gemischtes Doppel” präsentiert neue Werke von Ulrike von der Osten und Rainer Raczinski. Beide Künstler verbindet das Interesse an Bildarchitekturen und die Absicht, durch Beugungen und Brechungen derselben neue Situationen zu schaffen.

Unter dem Titel „Nur Finden, nicht Suchen“ gewährt die Galerie mit der neuen großen Ausstellung einen tiefen Blick, sowohl in die umfangreichen Bestände, als auch in die Geschichte des Ausstellungs- und Kunsthauses.

In Kooperation mit der Stolperstein-Initiative Frankfurt lädt das Historische Museum zu einem Vortrag und Gespräch ein.

Für ihre Bilder von Menschen in Politik und Kultur sowie ihre weltweiten Fotoreportagen ist Barbara Klemm über Deutschland hinaus bekannt und wurde vielfach ausgestellt und ausgezeichnet. Von 1970 bis 2005 war sie als Redaktionsfotografin für die FAZ tätig und begleitete den Wandel Frankfurts von der Hauptstadt des „Wirtschaftswunders“ zur Kulturstadt. Barbara Klemm ist ”teilnehmende Beobachterin”, eine Bildjournalistin mit dem untrüglichen Sensorium für den richtigen Moment und das gute Bild. Erstmals zeigt nun das Historische Museum mit 230 Bildern eine große Auswahl ihrer Werke in der Sonderausstellung „Barbara Klemm – Frankfurt Bilder“.

Im Juni 2009 starb die Choreografin Pina Bausch – ihre Compagnie existiert weiter. Die erneute Wiederaufnahme der legendären Produktion “Nelken” ist ab dem 27. Januar 2024 in Wuppertal – später in London und Luxembourg – zu sehen. Es handelt sich um eines der meistgespielten und bedeutendsten Stücke von Pina Bausch.

Man könnte meinen, nahezu alles ist über Beuys gesagt und gedruckt worden, erst recht, nachdem vor zwei Jahren sein 100. Geburtstag gefeiert worden ist. Doch laufend gibt es Neuerscheinungen. Ein vergriffener Bildband, der sich mit Beuys‘ USA-Reise 1974 beschäftigt, erlebte im letzten Jahr eine Wiederauflage. Kürzlich erschienen ist ein prächtiger Katalog zu Beuys und Hessen, der einen multiperspektivischen Blick bietet. Isa Bickmann hat in die Bücher geschaut.

Der Frankfurter Bildhauer Marcel Walldorf wurde mit dem Arbeitsstipendium des Kunstvereins Bellevue-Saal Wiesbaden für das Jahr 2023 ausgezeichnet. Walldorf erkundet in seiner Einzelausstellung WALLACH in Wiesbaden die männliche Kastrationsparanoia.

Elisaveta Braslavskaja (*1997) studierte an der Frankfurter Städelschule, wo sie im Sommer 2023 ihren Abschluss machte. Der Titel der Ausstellung “Blick in den Hof” bezieht sich auf eine Fotografie von Braslavskajas Großmutter, die mit einer analogen Kamera aufgenommen wurde. Die Künstlerin kombiniert Bilder aus ihrem persönlichen Archiv, Materialien und Techniken aus scheinbar unterschiedlichen Kontexten.

„Das Wasser ist ein freundliches Element für den, der damit bekannt ist und es zu behandeln weiß“, wusste schon Johann Wolfgang von Goethe. Fast zweihundert Jahre später zwingen die klimatischen Herausforderungen zu einem Umdenken im Umgang mit dem Wasser. Was können wir gegen eine zunehmende Trinkwasserknappheit tun? Wie können wir die Städte der Zukunft wassersparend gestalten? Kann uns die Digitalisierung dabei helfen? Mit Impulsveranstaltungen bis April 2024 vertiefen die KRFRM das 2023 in den Projekten „GartenRheinMain“ und „Route der Industriekultur Rhein-Main“ aufgerufene Jahresthema „Wasser“ an verschiedenen Orten in der Region. Die Veranstaltungen greifen mit einem Dokumentarfilm, Führungen und Vorträgen aktuelle Fragen auf und geben Raum für neue Erkenntnisse.

Hans Ticha (geb. 1940) ist einer der bedeutendsten deutschen Künstler und Illustratoren und gilt als ein Vertreter einer Richtung der damaligen DDR, die der Pop Art zugerechnet wird. Die Galerie Hanna Bekker vom Rath zeigt in dieser Einzelausstellung seine Arbeiten auf Papier, die Alltag, Politik und Zeitgeschehen satirisch-humorvoll in den Blick nehmen.

Die Opelvillen präsentieren über 200 Fotografien aus der umfangreichen Bildersammlung von Frida Kahlo (1907–1954), die ihr als Erinnerung, Inspirationsquelle und Arbeitsmaterial diente. Die mexikanische Künstlerin wurde durch ihre besondere Malerei zwischen Naiver Kunst, Surrealismus und Neuer Sachlichkeit weltbekannt, nicht zuletzt durch ihre autobiografischen Themen und die Verarbeitung ihres bewegten Lebens – ihre Krankheit, ihre Leiden, ihre Ehe mit Diego Rivera. Erst fünfzig Jahre nach Kahlos Tod kam ihr immenses privates Fotoarchiv ans Licht, das noch einmal ganz neue Einblicke vermittelt: Bilder der Familie, das Paar politischen Kampfes, ihres versehrten Körpers und Zeugnisse ihrer Begeisterung für Fotografie.

Die Galerie Greulich zeigt ab November neue Malereien von der Frankfurter Künstlerin Isabel Friedrich unter dem Titel „Kollege Schnürschuh“. Die Vernissage findet im Rahmen der Veranstaltung “Galerien Frankfurt Mitte” in der Frankfurter Fahrgasse statt.

2023 feiert die Jüdische Gemeinde Frankfurt ihre Wiederbegründung vor 75 Jahren. Anlässlich dieses Jubiläumsjahres stellt das Jüdische Museum Frankfurt eine Fotoserie der Künstlerin Laura J. Padgett aus, die sie 2021 von der spektakulären Architektur der Westend-Synagoge realisiert hat. Die Westend-Synagoge bildet einen zentralen Ort im Selbstverständnis der Jüdischen Gemeinde und ihrer Besuchenden.

Andrea Büttner (*1972 in Stuttgart) verbindet in ihrer Praxis Kunstgeschichte mit sozialen und ethischen Fragen. Im Zentrum ihrer forschungsbasierten Arbeiten stehen weitreichende Themen wie Armut, Scham, Arbeit, Handwerk, Religion, Wertzuschreibung, Verletzlichkeit, Gemeinschaft, Botanik, Philosophie und Kunst, die sie hinsichtlich ihres ambivalenten Spannungsverhältnisses von Ästhetik und Ethik untersucht. Dabei nutzt die international renommierte Künstlerin unterschiedliche konzeptuelle Methoden, Materialien und Medien – Holzschnitte, Malerei, Zeichnungen, Druckgrafik, Fotografie, Installation, Video, Skulptur, Glaskunst oder Keramik – , um grundlegende Fragen nach dem Verhältnis von intimer künstlerischer Produktion und öffentlicher Exponiertheit, von Repräsentationsmechanismen und Wertzuschreibungen in Kunst und Gesellschaft zu stellen.

Recherchebasiert, thematisch hochaktuell und zukunftsorientiert – so lässt sich das eindrucksvolle Werk von Kapwani Kiwanga (*1978) beschreiben. Das Kunstmuseum Wolfsburg zeigt noch bis zum 7. Januar 2024 die erste umfassende Mid-Career-Retrospektive der kanadisch-französischen Künstlerin, die jüngst mit zahlreichen internationalen Preisen ausgezeichnet wurde. Die raumgreifenden Werke Kapwani Kiwangas verbinden sich in der Ausstellung zu einer einmaligen ästhetischen, erkenntnisreichen und auch körperlichen Erfahrung.

Wer kennt ihn nicht, den Lebensfaden, den roten Faden? Wer ist nicht mit anderen verwoben? Fäden begegnen uns in Mythen, im Sprachgebrauch und auch in der Kunst, wo sie vielfach als Metapher, Modell oder Medium eingesetzt werden. Das Thema der Ausstellung der Draiflessen Collection in Mettingen ist daher die symbolischen Bedeutungen von Fäden für den Menschen und das menschliche Leben.

Der Herbst steht am Instituto Cervantes im Zeichen Chiles: Das Instituto Cervantes Frankfurt präsentiert mit der Unterstützung des chilenischen Generalkonsulats, die Ausstellung «El Sur en el Norte. Una mirada convergente» (Der Süden im Norden. Ein konvergierender Blick), in der vier chilenische Künstlerinnen die je eigene Art und Weise zeigen, mit der sie auf die Landschaft blicken: Von der minimalistischen Konzeptkunst der Pelusa Petzel bis zum ökologischen Blickwinkel, aus dem Carolina Oltra Tenneth die Natur betrachtet, von der Neuinterpretation der Landschaft durch Karina Retuert hin zur Vergrößerung der natürlichen Umgebung durch Elisa Rivera.

Helena Uambembe wurde 1994 in Pomfret, Südafrika, als Tochter angolanischer Eltern geboren, die vor dem Bürgerkrieg flohen. Ihr Vater war Soldat im 32. Bataillon, einer Militäreinheit der südafrikanischen Verteidigungskräfte, die hauptsächlich aus schwarzen angolanischen Männern besteht. Das 32. Bataillon, Pomfret und ihre angolanische Herkunft sind die beherrschenden Themen in Uambembes Werk, in dem sie Erzählungen über Geschichte und Orte erforscht und miteinander verbundene Symbole und Archivmaterial miteinander verwebt.

Anlässlich des 30-jährigen Bestehens ihres Stipendienprogramms präsentiert die Hessische Kulturstiftung zusammen mit dem Museum Bensheim die vierte Ausstellung des Jubiläumsjahres. Sie nimmt ein grundlegendes Motiv der Künstler:innenreise in den Blick.

Die Ausstellung präsentiert den Kimono nicht als statisch und unveränderlich, sondern als ein äusserst dynamisches und modisches Kleidungsstück. Über 100 prachtvolle Kimonos, Malereien und Holzschnitte aus dem 18. bis 20. Jahrhundert wie auch extravagante Kreationen zeitgenössischer Modedesigner zeigen die künstlerische und ästhetische Bedeutung dieses Kleidungsstücks in historischen und zeitgenössischen Kontexten auf und veranschaulichen, wie der Kimono sowohl in Japan als auch im Westen seit dem 17. Jahrhundert die Mode beeinflusst hat.

Im Vordergrund standen bei Mary Wllen Mark menschliche Themen und das humanistische Anliegen, in einer klaren, direkten Bildsprache Reportagen über gesellschaftliche Randgruppen zu liefern. Sie lehnte hierbei den „reißerischen“ Fotojournalismus ab und vermied eine prätentiöse Bildsprache. Mark wollte die abgelichteten Menschen nicht in ihrer Würde verletzen; so z. B. bei ihren subtilen Fotoserien über indische Prostituierte (in Zusammenarbeit mit Mutter Teresa) sowie bei ihren Reportagen über Arbeitslose, Behinderte, Obdachlose, Junkies oder Kinder, die in Armut in der Bronx leben müssen.

Orchideen sind wahre Verführungskünstlerinnen, wunderschön und raffiniert zugleich. Sie zählen zu den artenreichsten Familien im Pflanzenreich und kommen auf allen Kontinenten außer der Antarktis vor. Schon im 19. Jahrhundert wurden Orchideen zum Prestigeobjekt wohlhabender Sammler:innen, und bis heute werden für besondere Arten exorbitante Preise gezahlt. Die Ausstellung im Palmengarten vermittelt spannende Fakten rund um Biologie, die vielfältigen Interaktionen der Orchideen mit ihren Bestäubern, Kulturgeschichte, Nutzung und Schutz der faszinierenden Schönheiten.

Die Ausstellung HAPPY GAS von Sarah Lucas umfasst vier Jahrzehnte ihres künstlerischen Schaffens. Lucas, geboren 1962 in Holloway, ist eine britische Künstlerin, die mit Objekten, Installationen, Fotografie und Collagen arbeitet. Sie gehört zu den “Young British Artists”, mit denen sie auch an berühmten Ausstellungen wie Freeze (1988), Brilliant! (1995), Sensation (1997) und Intelligence – New British Art (2000) in der Tate Britain teilnahm. In ihren Arbeiten thematisiert Lucas die Beziehung von männlicher Lust und weiblichem Rollenverständnis.

Der Fotograf Horst H. Baumann (1934 – 2019) zählte zu den Shooting-Stars seiner Generation. Schon in jungen Jahren mehrfach ausgezeichnet, avancierte der Autodidakt ab den 1960er Jahren zu einem in den gedruckten Medien omnipräsenten, höchst erfolgreichen Fotografen. Zehn Jahre etwa dauerte seine fotografische Schaffensphase, bevor er sich anderen Medien widmete und nach und nach als Fotograf in Vergessenheit geriet. Dafür entstanden innerhalb dieser kurzen Zeit großartige Aufnahmen.

Die Museen der Stadt Aschaffenburg präsentieren von September bis Dezember 2023 sechs Vorträge rund um das Thema „Museumsdepot“. Am 28. September 2023 startet die sechsteilige Vortragsreihe der städtischen Museen. Die Vorträge finden in regelmäßigen Abständen jeweils um 18 Uhr im Stiftsmuseum (Glockensaal) statt. Die Museumslandschaft der Stadt Aschaffenburg ist für eine Kommune dieser Größe herausragend. Dementsprechend spielen die Museen eine entscheidende Rolle bei der Bewahrung und Präsentation des kunst- und kulturgeschichtlichen Erbes der Stadt. In den letzten 170 Jahren sind Tausende von Objekten durch Schenkungen und Ankäufe zusammengekommen, die sorgfältig erfasst, erforscht, konserviert und ausgestellt werden müssen. Um diese Aufgabe erfolgreich zu bewältigen, sind geeignete Depots von entscheidender Bedeutung. Auch wenn sie nur bei Sonderöffnungen besichtigt werden können, sind sie genauso wichtig, wie die öffentlichen Schauräume eines Museums. Die Vortragsreihe setzt genau hier an, und Mitarbeitende der Museen gewähren Einblicke hinter die Kulissen und präsentieren dabei Spitzenstücke aus den städtischen Sammlungen.

Spiegelobjekte in der gleißenden Wüstensonne, flirrende Farbprismen in der Arktis, lichtreflektierende Stelen, magisch vibrierende Rotoren, gold und silbern strahlende Kuben, virtuelle Volumen, erzeugt durch elektrische Impulse: Heinz Mack, Künstler des Lichts, bringt die Lichthöfe des ZKM auf vielfältige Weise zum Leuchten. Bereits in den 1950er-Jahren suchte Heinz Mack nach einer Harmonie zwischen Mensch, Natur und Technik. 1958 gründete er mit dem Künstler Otto Piene in Düsseldorf die Gruppe ZERO. Gemeinsam mit anderen internationalen Künstlern wollten sie die Kunst nach dem zweiten Weltkrieg revolutionieren. ZERO stand für einen Neuanfang – eine Stunde Null. Licht, Bewegung, Struktur und Farbe sind für Mack dabei die zentralen Themen.

Die Ausstellung “Channeling” zeigt Neuerwerbungen zusammen mit weiteren Werken aus der 1981 gegründeten Sammlung des Museums für Moderne Kunst. Im Raum zwischen Objekten können sich verschiedene Perspektiven eröffnen. Dieser Raum bezieht sich sowohl auf die zeitlichen Abstände der Entstehung der Arbeiten als auch auf ihre Anordnung in der Ausstellung. Wie haben sich Sensibilitäten und Diskurse seither verändert? “Channeling” bedeutet eine Bewegung hin zu einem bestimmten Ziel oder Objekt oder ein Fließen in einer festgelegten Bahn oder durch ein gegebenes Medium.

Die Ausstellung „Image Capital” erzählt die Geschichte der Fotografie als Informationstechnologie. Sie widmet sich unterschiedlichen Bildgebungsverfahren und erkundet die Nutzbarmachung des Mediums für Informations-, Produktions- und Verwaltungsabläufe. Das Konzept wurde von der Fotohistorikerin Estelle Blaschke und dem Künstler Armin Linke entwickelt. „Image Capital“ umfasst Fotografien und Videoarbeiten von Armin Linke, die um ausgewählte historische Aufnahmen, Archivmaterial und Publikationen ergänzt werden. Teil der Ausstellung in Eschborn ist zudem eine ortsspezifische Videoarbeit, die der Künstler mit Experten der Deutsche Börse AG entwickelt hat. Sie nimmt die visuelle Darstellung von Finanzdatenströmen in den Blick und befragt, wie diese zur Optimierung des Aktienhandels beitragen.

Die erste Überblickausstellung des britischen Künstlers und Filmemachers Isaac Julien (*1960 in London) in Deutschland zeigt die Bandbreite eines bahnbrechenden Werks von seiner Entstehung in den 1980er Jahren bis in die Gegenwart. Juliens kritisches Denken, das vor allem auf eine intensive Auseinandersetzung mit der Kultur und Geschichte des Kolonialismus abzielt, kommt in seinen frühen Filmen ebenso zum Ausdruck wie in den hochästhetischen Filmbildern der großen, international gefeierten Videoinstallationen der letzten 20 Jahre.

Das Dommuseum Frankfurt hat der belgischen Malerin, Zeichnerin, Fotografin, Pianistin und Instant-Komponistin Nicole van den Plas eine kleine Retrospektive gewidmet. Sie ist im Kreuzgang des Kaiserdoms zu sehen und umfasst Aquarelle, Zeichnungen, Montagen, Fotografien und Fine Art Prints. Immer wieder erzählen sie spielerisch und hintergründig vom Vergessen, Erinnern und Verwandeln. „Tribut“ lautet der Ausstellungstitel – ein entscheidender Hinweis auf das Anliegen von Nicole van den Plas. Der Titel, sagt die Künstlerin, „transportiert ‚eerbetoon‘ (flämisch für Ehrenbezeugung), die Huldigung an die reiche Kultur, welche die Religion hervorgebracht hat. Ebenso eine Huldigung an die Fähigkeiten und die Beweglichkeit des Geistes, einen Dank an das Leben…“.

Ab dem 23. September 2023 präsentiert das Kölner Museum Ludwig in seinem Fotoraum die Ausstellung „Walde Huth. Material und Mode“. Die Fotografin Walde Huth (1923-2011) beschäftigte sich in allen ihren Schaffensphasen mit Textilien und Stoffen.

Der 68 Meter lange Wandteppich von Bayeux aus dem 11. Jahrhundert, auf dem die Eroberung Englands vom Angriff des Normannen Wilhelm bis zur Battle of Hastings dargestellt wird, ist wohl die bekannteste Tapisserie. Dieser hochmittelalterlichen und aufwändigen Bildwirkerei, die sich über ihre Blütezeit in der Renaissance hinaus über die barocke Gobelinstickerei und bis heute weiterentwickelte, hat die Künstlerin Beate Passow eine ganz eigenständige Ausformung gegeben. Ihre Ausstellung in Freising hat Barbara Englert besucht.

Der wohl bekannteste deutsche Humorist Vicco von Bülow, alias Loriot, wäre am 12. November diesen Jahres 100 Jahre alt geworden. Hierzu soll es eine große offizielle Ausstellung in Deutschland geben. Das Museum ist wie kein anderes für diese Präsentation geeignet, hat es sich doch in der Zeit seit seiner Gründung zum bedeutendsten Museum für Komik in Deutschland entwickelt. Loriot lieferte das erste Titelbild für die Satirezeitschrift Pardon, in der sich die Neue Frankfurter Schule zusammenfand, deren künstlerisches Erbe der Grundstock der Sammlung und der Ausstellungen des Caricatura Museums bildet. Er war einer der maßgeblichsten Cartoonisten der Nachkriegszeit und brachte in seiner von 1967-1972 moderierten Fernsehsendung „Cartoons“ einem breiten Publikum die Komische Kunst nahe, ein Vermittlungsauftrag, für den sich auch das Caricatura Museum verantwortlich sieht.

In dieser ersten institutionellen Werkübersicht zeigt der Kunstpalast in Völkers Heimatstadt 85 Ölgemälde und 50 Arbeiten auf Papier aus allen Schaffensphasen des Künstlers. Ein besonderes Kennzeichen von Völkers Malerei sind die alltäglichen Dinge des Lebens, die er mit oftmals dickem Farbauftrag auf die Leinwand bringt. Bewusst wird die Banalität der Motive dabei gegen eine virtuose Malerei gesetzt.

Die Künstlerin Katja Novitskova (*1984 in Tallinn, Estland, lebt und arbeitet in Amsterdam) beschäftigt sich mit den digitalen Abbildern der Natur und ihrem Einfluss auf die Art und Weise, wie wir die Welt durch sie wahrnehmen. Sie untersucht bildgebende Verfahren und deren Verwendung in Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft. Dabei ist das Internet mit seinen zahlreichen Bildwelten Ausgangspunkt für ein umfangreiches Archiv. In diesem Kontext beschäftigt sie sich mit zahlreichen ökologischen Themen, mit Bereichen, die sich mit Interaktionen zwischen Mensch und Maschine beschäftigen, oder mit Fragen hinsichtlich der Entstehung, Verbreitung und Manifestierung von Bildern.

Für Herbst und Winter 2023/2024 plant das Bank Austria Kunstforum Wien eine Ausstellung zum malerischen Werk von Robert Motherwell (1915-1991). Es wird die erste Retrospektive zum Werk des großen amerikanischen Künstlers in Österreich seit 1976 sein und in Europa die erste seit 1998.

Ob und wie jüdische Filmschaffende ihre jüdische Identität in ihrer Arbeit zur Geltung bringen oder sie verbergen, ist Thema einer Ausstellung im jüdischen Museum Frankfurt, über die Walter H. Krämer einen Überblick bietet.

Das “frauen museum wiesbaden” (www.frauenmuseum-wiesbaden.de) zeigt ab dem 10. September 2023 die erste museale Einzelausstellung der mit dem Strabag Art Award International 2021 ausgezeichneten Malerin:in und Konzeptkünstler:in Anouk Lamm Anouk. Mit großformatigen Gemälden, Zeichnungen und Shaped Canvases wird auf insgesamt drei Ausstellungsebenen der 1984 gegründeten Institution die bisher umfangreichste Überblicksschau von Anouk Lamm Anouk präsentiert. Das Werk erforscht auf subtile und doch ausdrucksstarke Weise die Frage nach Identität, queerer Intimität und Emanzipation von gängigen gesellschaftlichen Kategorisierungen und ist die erste non-binäre Position, die im “frauen museum” gezeigt wird.

Das Ende der Malerei und ihre Wiederbelebung ist ein Thema, das unerbittlich die Geschichte der Malerei durchzieht. Dennoch ist das Gleiche nicht dasselbe. Wie in allen Künsten können sich selbst Replika nicht der Beeinträchtigung durch die jeweilige Zeitgenossenschaft entziehen. Das allein schon macht die Wiederbelebung interessant: Immer assistiert die Gegenwart der künstlerischen Arbeit. Die Ausstellung „Karl Hagemeister und die Malerei heute“ im Berliner Bröhan Museum zeigt farbverliebt und satt, wie Kunstwerke über ein Jahrhundert hinweg miteinander kommunizieren. Marius Hulpe berichtet.

Ab dem 3. Juli 2023 zeigt die Sammlung Grässlin im KUNSTRAUM GRÄSSLIN und den RÄUMEN FÜR KUNST in St. Georgen im Schwarzwald unter dem Titel PAINTING NATURE eine neue Ausstellung. Die Präsentation gibt Einblicke in die mannigfaltigen Erscheinungsformen von Natur in den Werken der Künstlerinnen und Künstler der Sammlung. Nachdem die Kunst viele Jahrhunderte im Dienst religiöser und weltlicher Macht stand, folgt auch sie als Reaktion auf diese Entwicklungen ihren eigenen Gesetzmäßigkeiten und wird autonom. Die Loslösung von der gegenständlichen Welt vollzieht sich schrittweise am Vorbild der Natur. Das Motiv wird in diesem Prozess Mittel zum Zweck, um die grundlegenden Parameter und inhärenten Eigenschaften des Bildes zu ergründen.

In Angoulême, wo Balzacs „Verlorene Illusionen“ ihren Anfang nehmen und die Charente sich entschließt, nach Westen zu strömen, findet seit 1974 das „Festival International de la Bande Dessinée“ statt, das bedeutendste Comicfestival Europas. Jährlich werden Auszeichnungen und Preise vergeben bis hin zum Grand Prix de la Ville d’ Angoulême für das zeichnerische Lebenswerk. Harry Oberländer vermittelt einen Eindruck von der Stadt des Comics.

Die Utopie kann als Nicht-Ort begriffen werden, nach dem wir uns alle halb furchtsam, halb erwartungsvoll sehnen; ein vager Horizont mehr als eine benennbare Destination – doch darum nicht weniger sinnlich zu spürendes Phänomen. Die Künstler*innen der Ausstellung Tip of Tongue in Bangkok haben das Utopische auf den Schauplatz der Spitze unserer Zunge verlegt: direkt in unsere Körper und doch immer noch nicht ganz greifbar. Ellen Wagner hat sich die Ausstellung aus 10.991 Kilometern Entfernung auf dem Bildschirm angesehen.

Der Himmel ist bei Marc Chagall zumeist bevölkert. Geigen, Liebespaare und Tiere fliegen, Engel stürzen. WELT IN AUFRUHR. Unter diesem Titel sind in der Kunsthalle Schirn Frankfurt noch bis zum 19. Februar 2023 rund 60 Gemälde, Papierarbeiten und Kostüme Chagalls zu sehen. Walter H. Krämer lenkt den Blick allerdings auf dessen Gemälde „Commedia dell’arte“ im Foyer der Städtischen Bühnen Frankfurt.

Knipsen kann jeder. Fotografieren aber ist Gestalten des Gesehenen – ein künstlerischer und damit auch ein politischer Vorgang. Die aktuelle Ausstellung der indischen Fotografin Gauri Gill ist nicht nur äußerst sehenswert. Sie entwickelt eine wichtige postkoloniale Perspektive auf die Dokumentarfotografie. Ursula Grünenwald hat die Ausstellung besucht.

Die Ausstellung „Ewiges Eis“, die noch bis zum 12. Februar 2023 im Bad Homburger Museum Sinclair-Haus zu sehen ist, lädt dazu ein, die Ästhetik des Eises zu bestaunen. Man erhält einen hervorragenden Eindruck davon, welche Zugänge die bildende Kunst zur Debatte um den Klimawandel bietet und welche Ansichten sie bereithält, die sich von naturwissenschaftlichen und medialen Positionen unterscheiden. Wer sich auf den ästhetischen Zugang einlässt, aber eine weitergehende Perspektive erhofft, muss leider feststellen, dass das museale Ambiente die dramatischen Ausmaße der Naturzerstörung nicht angemessen spiegelt, wie Ursula Grünenwald bilanziert.

Die Ausstellung „Zurück ins Licht“ im Jüdischen Museum Frankfurt möchte vier vormals renommierte, von den Nazis wegen ihrer jüdischen Herkunft ermordete oder ins Exil getriebene Künstlerinnen der Vergessenheit entreißen. Eugen El hat sich ihre Werke und Lebenswege angesehen.

Im Haus am Dom zeigt eine Ausstellung des Dommuseums das Werk des Graphikers und Glaskünstlers Hans Leistikow. Stefana Sabin hat seine Entwürfe und Bilder neu und die Grisaille-Fenster im Kaiserdom wiederentdeckt.

Banksy sprüht vor Einfällen, wenn es darum geht, witzige und intelligente Bilder an die Wände zu werfen – schnell und gezielt platzierte Kommentare zu politischen und sozialen Themen. Der Schablonenkünstler ist derzeit der weltweit bekannteste Streetart-Aktivist und zugleich einer der teuersten, wenn seine Werke in die Auktionen und in den Handel geraten. Walter H. Krämer hat eine Wanderausstellung mit seinen Werken in Hamburg besucht.

Zahlreiche Veranstaltungen der Stadt Bad Homburg und der Staatlichen Schlösser und Gärten Hessen (SG) stehen dieses Jahr im Zeichen des 400. Jubiläums der Gründung der Landgrafschaft Hessen-Homburg. Zu diesem Anlass eröffnete Anfang Oktober 2022 eine neue Dauerausstellung im Schloss Bad Homburg. Unter dem Titel „244ff. – Von Friedrich bis Ferdinand“ zieht sie einen Bogen vom ersten Landgrafen bis zum letzten männlichen Vertreter der Dynastie.

Mit „Frei. Schaffend“ ist eine Ausstellung im Frankfurter Städel Museum untertitelt, die sich der Wiederentdeckung der schweizerisch-deutschen Malerin Ottilie Wilhelmine Roederstein (1859–1937) widmet und zuvor im Kunsthaus Zürich zu sehen war. Sie stellt eine selbstbewusste, sich gängigen Rollenmustern widersetzende Künstlerin vor, deren bewunderte Malerei fest im 19. Jahrhundert verankert war und sich wenig empfänglich für zeitgenössische avantgardistische Strömungen zeigte. Isa Bickmann spürt den Gründen für Roedersteins verblassten Ruhm nach.

Zu den Wandelkonzerten, die vor etwa einem halben Jahrhundert den Rahmen der zeitgenössischen Musik erweiterten, tritt in den letzten Jahren immer öfter ein kollaboratives Denken, das es Künstlern verschiedener Disziplinen erlaubt, sich gegenseitig aufeinander zu beziehen, ohne die anderen zu spiegeln. Michael Hoeldke berichtet von einer Vernissage in Trebel, die von ferne an die Happenings vom Black Mountain College erinnert.

Die Kunstbiennale Venedig bietet im Jahr 2022 mehr Kunstwerke an, als man zu sehen vermag. Außerkünstlerische Ereignisse haben immer wieder die Ausrichtung der gewaltigen Schau beeinflusst. Wer sich durch die Giardini und das Arsenale bewegt, wird dennoch die grenzenlose Vielfalt des Angebots wahrnehmen und, wie Walter H. Krämer, sich nachhaltig beeindrucken lassen.

Christian Schad (1894-1982) war ein Maler, der in die Avantgarde ebenso passte, wie ins Weltbild der Nationalsozialisten, aber sich gar nicht für unser Sortierkästchen von Freund und Feind eignet. Die Stadt Aschaffenburg hat ihm ein eigenes Museum im ehemaligen Jesuitenkolleg eingerichtet, das eben eröffnet wurde. Johannes Winter war unterwegs in Schads Leben und im neuen Haus.

Eine der größten Synagogen Deutschlands wurde 1938 in Brand gesetzt und abgerissen. Auf ihrem Grund wurde ein Hochbunker gebaut, der seit Jahrzehnten zum Ort der Erinnerung an die Judenverfolgung in Frankfurt wurde. Nun sind darin die Synagogen Deutschlands in einer virtuellen Rekonstruktion versammelt. Doris Stickler hat sie gesehen.

Mit einer dichten Präsentation versucht die Ausstellung WALK! in der Schirn Kunsthalle, Besucher und Besucherinnen zum Flanieren anzuleiten. Zwar werde die historische Basis der künstlerischen Praxis des Gehens nicht vermittelt, bedauert Isa Bickmann, doch die Schau biete beachtenswerte Umsetzungen einer jüngeren Generation Kunstschaffender. Es sind besonders die Künstlerinnen, von denen neue Impulse in die Walking Art eingehen.

Walid Raad ist über den Werkkomplex der „Atlas Group“ (1989-2004) und als Teilnehmer der documenta 11 und 13 bekannt geworden. In der Kunsthalle Mainz zeigt der in New York lebende und arbeitende Künstler jüngere Arbeiten, in denen Fiktion und Realität auf raffinierte Art vermengt werden. Isa Bickmann hat sich auf seine Geschichten eingelassen.

Seit Jahrzehnten greift Ottinger Queerness, post-koloniale Kritik und politische Verfolgung in vielfältigen Medien auf. In der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden sind nun Arbeiten von 1965 bis 2022 zu sehen, die einander weder „korrekt“ noch bloß makaber, sondern mit surrealer Eindringlichkeit aktualisieren. Im Zentrum stehen Materialien zu Filmprojekten und Einblicke in die Malerei, die Ottinger als bedeutende Vertreterin einer politisch engagierten Pop-Art auszeichnet. Ellen Wagner hat sich die Ausstellung angesehen.

„Aus heutiger Sicht“ heißt eine Ausstellung im Frankfurter Museum Angewandte Kunst, mit der die Hochschule für Gestaltung Offenbach ihr 50-jähriges Bestehen als Kunsthochschule feiert. Co-Kuratorin Ellen Wagner reflektiert das Konzept der Ausstellung und lässt sie Revue passieren.

Wenn, wie so oft, unbeugsame Künstlerpersönlichkeiten gepriesen werden, vergessen sich leicht die vielen beugsamen, die auch in autoritären Machtverhältnissen eine Chance für ihre Karriere wittern. Thomas Rothschild hat sich in Wien und Berlin Ausstellungen angesehen, die anhand der Reichskammer der bildenden Künste und der auserwählten, von der Wehrmacht befreiten Künstler historische Details anbieten.

Kaum geöffnet, war die Ausstellung „Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“ in der Schirn Kunsthalle Frankfurt im Rahmen der Corona-Beschränkungen erneut geschlossen worden. Doch Ursula Grünenwald hatte das Glück, die Ausstellung während der kurzen Öffnungsphase im März besuchen zu können, und lobt die kritische Einbettung der rund achtzig Werke umfassenden Feier der kanadischen Landschaftsmalerei des frühen 20. Jahrhunderts.

Erstaunlich, dass es überhaupt gelang. Zwischen den Pogromen im November 1938 und Kriegsbeginn 1939 konnten etwa 20.000 Kinder vor der antisemitischen Gewalt ins Ausland gerettet werden, die Hälfte davon nach England. Wie Doris Stickler berichtet, erinnert jetzt in Frankfurt ein Denkmal daran und eine Ausstellung in der Deutschen Nationalbibliothek.

Nach Vincent van Gogh rückt das Städel Museum nun Rembrandts Karriere in den Mittelpunkt einer Ausstellung. Dieser erlebte in Amsterdam zwischen 1630 und 1655 den Aufstieg zu einem erfolgreichen Künstler. Isa Bickmann erfreut sich an der Präsentation, die es ermöglicht, Werke Rembrandts und seiner Zeitgenossen vergleichend zu studieren.

E.M.C. Collard widmet sich Pflanzenstudien, erstellt Modelle phantasievoller Organismen und untersucht und kreiert deren Lebensräume. In Zeiten von genveränderten Pflanzen entwickelt sie auf wunderbar spielerische Art und Weise Prototypen einer neuen Generation. Claudia Olbrych stellt das Werk der in Frankfurt lebenden und arbeitenden Künstlerin vor.

Erstmalig wird die 1942 in Mexiko-City geborene Fotografin Graciela Iturbide mit einer Retrospektive in Deutschland geehrt. Ihr in über fünf Jahrzehnten entstandenes Œuvre gilt als grundlegend für das Verständnis der lateinamerikanischen Fotografie. Isa Bickmann spürt Iturbides ikonenhaften und intimen Bildern nach.

Die Pandemie hat zur Reflexion unserer Lebensgestaltung angeregt. Aber hat die von außen auferlegte Entschleunigung etwas geändert? Warum To-do-Listen schreiben, wenn uns der Zwang eines Aufgabenkorsetts nicht guttut? All diese Fragen beschäftigen Isa Bickmann nach einem Besuch der Ausstellung „State of High Performance“ in den Ausstellungsräumen der Basis e.V. in Frankfurt, in der Künstler und Künstlerinnen über das Leistungsprinzip nachdenken lassen.

Von der Frankfurter Gegenwart in die Vergangenheit und zurück in die Zukunft: Die Ausstellung „Ersatzkunst. Die Wüsten-Jahre 1975-1985“ zeigt in verdichteter Form Höhepunkte der jüngeren Kunstgeschichte Frankfurts. Ursula Grünenwald hat sich die von Isa Bickmann kuratierte Schau in der Ausstellungshalle Schulstraße 1A in Frankfurt angesehen.

Die Collage taucht seit ihrer Erfindung im frühen 20. Jahrhundert fortwährend in künstlerischen Produktionen auf. Gerade in den letzten Jahren erlebt sie eine Renaissance. So ist es folgerichtig, dass die verschiedenen Ausdrucksformen von Zerschnittenem und Zusammengesetztem in Themenausstellungen gebündelt werden. Isa Bickmann hat die Schau „Schnitt Schnitt“ in Darmstadt besucht.

Nicht erst die Astronauten der Apollo 8 haben die Erde als ästhetisches Objekt entdeckt. Poetisches Denken und nüchterne Befunde sieht der Schriftsteller Rolf Schönlau in den Objekten seiner imaginären Ausstellung verschränkt, die Karten, Fotos, Grafiken, Gemälden, Zeichnungen, Romanauszügen, Parolen und Soundtracks zum Thema Geoästhetik vereint und von Axel Kahr vorgestellt wird.

Lange Zeit konnten Kulturmanager und -managerinnen sich auf die traditionellen Aufgaben des Museums beschränken: Sammeln, Bewahren, Erforschen und Vermitteln. In der digitalen Transformation werden sie zusätzlich auf fünf Ebenen gleichzeitig und verschränkt agieren müssen, um museale Sammlungen im Bewusstsein des Publikums zu halten. Barbara Fischer stellt die Ebenen dar und zeigt Chancen und Anforderungen auf.

Die Kunstwelt ringt in Zeiten der Corona-Krise um Sichtbarkeit und setzt auf digitale Präsenz. Das füllt oft nur die Lücken, die eine fehlende analoge Begegnung mit Kunst hinterlässt und kann in dieser jetzt aufkommenden Menge überfordern. Ellen Wagner plädiert für ein kurzes Innehalten, um sich über Fragen nach dem Verhältnis von Präsenzzwang und Rückzug, das Visuelle und das Unsichtbare auszutauschen.

Im Frankfurter Kunstverein ist zu sehen, wie sich die physikalisch-chemischen Prozessen innewohnende Poesie und die Verwendung naturhafter Mittel in der Kunst auf grundlegende Erkenntnisse über unsere Existenz zurückführen lassen. Isa Bickmann empfiehlt den Besuch der Ausstellung, bedauert allerdings, dass die KünstlerInnen-Auswahl überkommene Geschlechterrollenstereotypen bestätigt.

Die in Genf lebende Künstlerin Latifa Echakhch hat in der Kunsthalle Mainz eine Schau eingerichtet, mit der sie über ortsspezifische Bezüge – hier ist es der Freiheitsbaum der nur kurze Zeit existierenden Mainzer Republik (1793) – auf aktuelle gesellschaftspolitische Kontexte verweist. Isa Bickmann hat die zurückhaltend installierte Ausstellung besucht.

Mit dem Namen „Neue Heimat“ verbindet man vorrangig den Skandal veruntreuter Gelder, in den die Gewerkschaften involviert waren. Umfassender blickt das Frankfurter Architekturmuseum, in Kooperation mit dem Architekturmuseum der TU München und dem Museum für Hamburgerische Geschichte, auf den Wohnungsbaukonzern. Denn die Neue Heimat ist Teil der westdeutschen Sozialgeschichte. Ihr Ende markiert auch das Ende der sozialen Wohnungsbaupolitik und ist damit die Ursache für die heutigen Probleme. Isa Bickmann schaute in Ausstellung und Begleitbuch.

Im Frankfurter Museum Giersch ist noch bis zum 9. Juli 2017 eine Ausstellung zu sehen, die unter dem Titel „Ersehnte Freiheit. Abstraktion in den 1950er Jahren“ einen „neuen Blick“ auf die wichtige Kunstströmung nach dem Zweiten Weltkrieg werfen will. Ob sie das wirklich einlöst, berichtet Isa Bickmann.

Rekordverdächtig sind schon jetzt die Besucherzahlen der Frankfurter Van-Gogh-Ausstellung. Doch wenn man sich nicht in die Schlangen vor dem Städel Museum einreihen mag, könnte man 400 Meter den Schaumainkai entlang laufen zum Museum Giersch. Das dort erstmals zu einer Retrospektive vereinte, wenig bekannte Werk des Max-Beckmann-Schülers Georg Heck lohnt unbedingt einen Besuch. Im Idealfall jedoch sieht man sich beide Ausstellungen an, meint Isa Bickmann.

Würde man WissenschaftlerInnen bitten, unterhaltsame Anekdoten aus ihrem Fach zu erzählen, erhielte man wohl Geschichten, wie sie von Olaf Nicolai aufbereitet werden, bewege sich durch die Wohnung des Literaturwissenschaftlers Mario Praz, begebe sich mit Foucault auf einen LSD-Trip ins Death Valley oder stöbere sich durch die Bibliothek einer römischen Galeristin. Isa Bickmann hat die Ausstellung des Wilhelm-Loth-Preisträgers im Museum Künstlerkolonie auf der Mathildenhöhe besucht.

Die Frankfurter Ausstellung „Glanz und Elend in der Weimarer Republik“ beleuchtet die veristisch-gesellschaftskritische Strömung der „Neuen Sachlichkeit“ mit einer Fülle von rund 190 Werken – und einem eindrucksvollen Anteil von weiblicher Hand. Es gibt wohl kaum einen besseren Zeitpunkt, diese Ausstellung zu zeigen, meint Isa Bickmann.

Als erste Frau wurde Elisabeth von Knobelsdorff zur Diplomprüfung im Fach Architektur zugelassen. Das war im Jahre 1911. Was hat sich seitdem getan? Eine Ausstellung im Deutschen Architekturmuseum zeigt, wie Frauen den Architekturberuf eroberten und welchen Schwierigkeiten sie sich zu stellen hatten. Isa Bickmann sieht in Schau und begleitender Publikation einen wichtigen Beitrag, auf die bis heute fehlende Sichtbarkeit von Architektinnen aufmerksam zu machen.

Der Orphismus ist einer der vielen Ismen, mit denen man der Vielfalt der modernen Kunstströmungen zu begegnen suchte. Sein Name wurde 1912 vom Dichter Guillaume Apollinaire gefunden für jene Richtung des Kubismus, die das Licht als den die Farben in Bewegung bringenden Faktor sieht. Das Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen zeigt erstmals eine Überblicksausstellung dieser Richtung. Isa Bickmann hat die sorgsam kuratierte Schau gesehen.

Der Titel „Power to the People“ impliziert es bereits: Eine Ausstellung in der Schirn Kunsthalle Frankfurt konzentriert sich auf politische Kunst in Zeiten, in denen die Demokratie sich als zerbrechlich zeigt und aktives Engagement nötiger denn je scheint. Im Ganzen ist das eine recht sehenswerte, wenn auch überraschend leise Ausstellung, findet Isa Bickmann.

Der letzte Bau von Le Corbusier war ein Pavillon, den die Galeristin und Mäzenin Heidi Weber auf der Blatterwiese am Zürcher See 1967 errichten ließ. Nach einer umfangreichen Renovierung ist der Pavillon, der zum Museum für Gestaltung Zürich gehört, wieder eröffnet und dokumentiert in der Ausstellung „Mon univers“ die Sammelleidenschaft und die gestalterischen Vorbilder von Le Corbusier. Stefana Sabin war im Zürcher Pavillon.

Malerei weist heutzutage oftmals über das Rechteck der Leinwand hinaus und wird konzeptuell in eine übergreifende Idee verpackt. Die erste institutionelle Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Laura Langer zeigt sich in einer ortsspezifischen Installation, die BesucherInnen bis ins normalerweise nicht zugängliche Dachgeschoss des Frankfurter Portikus führt. Isa Bickmann ist hinaufgeklettert.

En passant, im Vorbeigehen, hat das Frankfurter Städel Museum seine in die Verlängerung gehende Ausstellung genannt. Im Zentrum stehen dreidimensionale Werke von vor und um 1900 und die Frage, ob der Impressionismus als Stilbegriff auf diese anwendbar ist. Isa Bickmann hat die Ausstellung gesehen und empfiehlt den im Ausstellungskatalog geführten Diskurs zur nachhaltigen Lektüre.

Taro Izumis Kunst ist voller Hintersinn und Humor, wenn er die Schwerkraft aufhebt, aus der Stille Geräusche zaubert oder den vermissten Katzen in Basel auf der Spur ist. Die Werkschau des japanischen Künstlers (geb. 1976) wurde als offener Parcours gestaltet. Isa Bickmann hat diese im Museum Tinguely Basel besucht, das, im Gegensatz zu den Museen in Deutschland, vorerst geöffnet bleibt.