Im Frankfurter Museum für Kommunikation wurde am 25.04.2024 eine umfassende Werkschau des Zeichners und Malers Volker Reicher eröffnet. Dort gibt es neben den frühen Donald Duck Zeichnungen, Mecki, dem Strizz oder Reiches liebenswerten Karikaturen auch eine ganz andere Seite zu sehen. Unter dem Titel „Killing is fun“ beispielsweise versammeln sich apokalyptische Höllen-Szenarien in Anlehnung an Hieronymus Boschs „Inferno“.

Wir bedanken uns bei Andreas Platthaus, Literatur-Chef der FAZ, dass er uns seine geistreiche Eröffnungsrede über das Werk Volker Reiches zur Verfügung gestellt hat. Diese beginnt mit einem Zusammenspiel von Leben und Comic der besonderen Sorte, wenn Andreas Platthaus mit den Worten öffnet, mit denen Reiche eine Zeichnung Platthauses selbst untertitelt hat: „Derjenige, den Sie jetzt vor sich sehen, nimmt, wie wir hier aus berufener Zeichenfeder informiert werden, den Mund gerne voll: „Sie werden alles erfahren! Über alles!“

Thomas Draschans Bilderwelt ist ein urzeitliches Gemisch, aus dem Atome, Zellen und Körper in beständiger Entwicklung hervorgehen. Als unermüdlicher Forscher wählt Draschan akribisch Cluster von Bildern, Filmstücken und Einzelbildern aus und seziert sorgfältig das visuelle Archiv einer chaotischen, zum Schauspiel verkommenen und verschaufensterten Welt.

Am 18. Februar würde der Düsseldorfer Bildhauer Günter Haese 100 Jahre alt. Isa Bickmann erinnert an den 2016 verstorbenen Künstler und seine feinen Gebilde aus Uhrmaterialien.

Für den kongolesisch-belgischen Künstler Sammy Baloji (1978), Documenta-14-Teilnehmer und Mitgründer der Lubumbashi-Biennale, ist der „White Cube“ keine neutrale Zone ist, sondern eine politische. So ist der Besuch der von ihm und Lotte Arndt konzipierten Gruppenausstellung in der Kunsthalle Mainz eine Konfrontation mit den Kontinuitäten kolonialer Ausbeutung im Kongo, Leerstellen der Erinnerungskultur und Wegen der Transmission. Auf höchst gelungene Weise vernetzen sich die Exponate im Hause inhaltlich miteinander, findet Isa Bickmann.

Wie sich Kunst und Wissenschaft bei der Vorstellung von der Maschinisierung des Menschen gegenseitig beeinflusst haben und wie sich die Technozukunft in der künstlerischen Praxis zeigt, dem ging Hubertus Kohle in einem Vortrag nach, den er Anfang Februar 2018 in München gehalten hat. Transhumanistische Kunst sei noch immer eine sehr esoterische Angelegenheit, meint der Kunsthistoriker. Faust-Kultur dokumentiert den Text.

Einem der herausragenden Vertreter der französischen Salonmalerei des 19. Jahrhunderts, Alexandre Cabanel (1823-1889), widmete das Kölner Wallraf-Richartz-Museum eine gelungene Ausstellung. Sie war der Anlass für den Münchener Kunsthistoriker Hubertus Kohle, in einem Vortrag die Stellung Cabanels in seiner Zeit im Hinblick auf den heutige Blick auf jene Epoche der Kunst geradezurücken, welcher sich allein an den Avantgardebewegungen Realismus, Impressionismus und den drei Vätern der Moderne, Gauguin, Cézanne und van Gogh, orientiert.

Auf dem Umweg und dennoch getroffen: Nach intensiven Lebens- und Ausstellungserfahrungen in New York City (1996-2012) stellt die Bildende Künstlerin Elke Albrecht mittlerweile auch deutschlandweit aus, regelmäßig in Berlin, Jena oder auch im Rhein-Main-Gebiet (Wiesbaden, Hanau). Achim Heidenreich besuchte Elke Albrecht jetzt in ihrem Atelier in Eisenach-Madelungen – wo es immerhin einen malerischen Dorfteich gibt.

Hubertus Kohle widmet sich der Zukunft der Museen im Zeitalter des Internet und damit der Partizipation des einzelnen – für ihn Teil „der zentralen Fragen des gegenwärtigen kulturellen Lebens“.

Eine Ausstellung im Pariser Musée du Luxembourg zeigt die Freundschaft zwischen Pablo Picasso und Gertrude Stein als eine künstlerische Verbindung, die die Moderne entscheidend mitgestaltete. Stefana Sabin war in der Ausstellung.

Das Buch ist das Bildgedächtnis der Stadt Frankfurt, das Barbara Klemm gestaltet hat. Sie, die Künstlerin des richtigen Zeitpunkts, war 35 Jahre lang Redaktionsfotografin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung. Leserinnen und Leser dieser Zeitung, die das Besondere ihrer Arbeiten schätzten, machten sich gegenseitig darauf aufmerksam. Das ganze Panorama der Stadt, vom armen Schlucker bis zur Prominenz, findet sich in diesem Bilderbuch, das Martin Lüdke begeistert betrachtet hat.

Man könnte meinen, nahezu alles ist über Beuys gesagt und gedruckt worden, erst recht, nachdem vor zwei Jahren sein 100. Geburtstag gefeiert worden ist. Doch laufend gibt es Neuerscheinungen. Ein vergriffener Bildband, der sich mit Beuys‘ USA-Reise 1974 beschäftigt, erlebte im letzten Jahr eine Wiederauflage. Kürzlich erschienen ist ein prächtiger Katalog zu Beuys und Hessen, der einen multiperspektivischen Blick bietet. Isa Bickmann hat in die Bücher geschaut.

Barbara Klemm inszeniert ihre Fotografien nicht. Sie sieht schon das Ereignis, zu dem sie eilt, als dramatisches Geschehen, dessen gestalterischen Höhepunkt sie spürt, bevor er eintritt. Dann aber ist sie zur Stelle und macht die Aufnahme, die spricht. Prächtige Panoramen, eindringliche Porträts, historische Dokumente sind so entstanden. Nun sind Klemms Frankfurt Bilder im Frankfurter Historischen Museum ausgestellt. Walter H. Krämer hat sie besucht.

Der demografische und der digitale Wandel treffen auf den Klimawandel. Was bedeutet das für uns, für unsere Demokratie, unsere Gesellschaft allgemein? Wie reagieren Galerien, Bibliotheken, Archive und Museen auf die Gleichzeitigkeit der Krisen? Was tun sie, was könnten sie tun? Barbara Fischer schaut in die Zukunft.

Dass Gewächse im Schatten eines großen Baumes nicht gedeihen können, hat man gerne auf das Verhältnis der Meister zu seinen Schülern bezogen, inbesondere auf die Meister der Künste und ihre aufstrebende Gesellenschaft. Marion Victor ist den Schicksalen der Malerinnen und Malern nachgegangen, die beim Meister Max Beckmann gelernt haben. Und Doris Stickler erfährt von der Autorin, wie ihr biographischer Weg dorthin verlief.

Künstlerbriefe, wenn sie nicht an Dienstherren, Auftraggeber, Mäzene und andere potentielle Geldgeber gerichtet sind, sondern an Freunde, mischen in die Beschreibung der eigenen Arbeit und die Betrachtung der Kunst anderer ungeniert Anekdoten, Privates, selbstironische Erlebnisberichte, Obsessionen, Reflektionen und Erkenntnisse. Der holländische Künstler und Autor Fredie Beckmans, der beim Sozialamt als „Zeitmaschinenmonteur” geführt wird, berichtet diesmal in seinem Künstlerbrief an Faust-Kultur, wohin er mit seiner Zeitmaschine gekommen ist.

Der 68 Meter lange Wandteppich von Bayeux aus dem 11. Jahrhundert, auf dem die Eroberung Englands vom Angriff des Normannen Wilhelm bis zur Battle of Hastings dargestellt wird, ist wohl die bekannteste Tapisserie. Dieser hochmittelalterlichen und aufwändigen Bildwirkerei, die sich über ihre Blütezeit in der Renaissance hinaus über die barocke Gobelinstickerei und bis heute weiterentwickelte, hat die Künstlerin Beate Passow eine ganz eigenständige Ausformung gegeben. Ihre Ausstellung in Freising hat Barbara Englert besucht.

Eine Ausstellung thematisiert die Sklaverei, den Reichtum, der sich daraus herleitet, und die Schuld, die wir damit geerbt haben. Es geht aber auch um konkretes Material, Readymades und Abstraktionen, Symbole und Reflexionen, die der 1988 geborene, amerikanische Konzeptkünstler Cameron Rowland mit „Amt 45 i“ anbietet. Ellen Wagner versucht eine Annäherung.

Das Ende der Malerei und ihre Wiederbelebung ist ein Thema, das unerbittlich die Geschichte der Malerei durchzieht. Dennoch ist das Gleiche nicht dasselbe. Wie in allen Künsten können sich selbst Replika nicht der Beeinträchtigung durch die jeweilige Zeitgenossenschaft entziehen. Das allein schon macht die Wiederbelebung interessant: Immer assistiert die Gegenwart der künstlerischen Arbeit. Die Ausstellung „Karl Hagemeister und die Malerei heute“ im Berliner Bröhan Museum zeigt farbverliebt und satt, wie Kunstwerke über ein Jahrhundert hinweg miteinander kommunizieren. Marius Hulpe berichtet.

East Side Story sollte das Musical heißen. Der Komponist Leonard Bernstein entschied sich für „West Side Story“. Die filmische Realisierung des Bühnenstücks übernahm, zusammen mit dem Choreografen Jerome Robbins, Robert Wise, der, auch als Editor, für „Citizen Kane“, „Der Glöckner von Notre Dame“, „Die Hindenburg“, „Star Trek: Der Film“ und viele andere bekannt wurde. 1996 hat Marli Feldvoß in München mit ihm gesprochen.

Es ist eben nicht so, dass alles, was vor unserer Geburt geschah, ohne Bedeutung für unser Leben ist. Wie aber erklärt sich unsere Faszination, der wir immer noch angesichts einiger antiker Bildnisse oder Skulpturen erliegen? Die Professorin für Kulturwissenschaft, Ästhetik und Religionsforschung an der Internationalen Psychoanalytischen Universität Berlin, Susanne Lanwerd, beschreibt die Körperlichkeit der Menschen auf dem Schauplatz der Ästhetik und Geschlechterforschung.

Der Nassauische Kunstverein in Wiesbaden zeigt noch bis zum 23. Juli 2023 Video- und Soundinstallationen der in Hamburg und Berlin lebenden Künstlerin Annika Kahrs. Die 1984 geborene Künstlerin experimentiert mit dem Zusammenspiel von Klängen, Rhythmen und Räumen und macht daraus ironisch-charmante Kommentare unserer Gegenwart. Was die Künstlerin mit den Klangexperimenten der Fluxusbewegung verbindet, beschreibt Ursula Grünenwald.

Der Traum ernährt die Poesie, aber auch die Malerei. Und weil er uns nicht verfügbar ist, können wir oft nicht unterscheiden, ob es sich um einen Albtraum oder einen Glückstraum handelt. Zumeist erinnern wir uns an die Reste eines unheimlichen Geschehens, das für eine Künstlerin wie Ankalina Dahlem auf zwei Dimensionen übertragbar ist. Isa Bickmann hat genauer hingesehen.

Otto Freundlich war Maler, Bildhauer und Autor, einer der ersten Künstler der Abstraktion, Jude, Kommunist und Kosmopolit. 1908 zog er nach Paris ins Bateau-Lavoir, wo er sich mit Picasso, Braque, Gris und Apollinaire befreundete. Unter der Vichy-Regierung musste er fliehen, wurde mehrfach verhaftet und in Konzentrationslager gebracht. Im okzitanischen Saint-Martin bot ihm eine Familie ein Versteck, doch es wurde verraten; seine Spur verliert sich in Sobibór. Johannes Winter ist seiner Geschichte nachgegangen.

Der Schweizer Zeichner und Novellist Rodolphe Töpffer (1799–1846) gilt als der Begründer des Comics. Seine Bildergeschichten inspirierten den Bayern Franz von Pocci (1807–1876), der, soweit bekannt, die erste Sprechblase in ein Bild einfügte. Michael Stephan hat sich intensiv mit ihrem Schaffen, insbesondere dem Poccis beschäftigt.

In Angoulême, wo Balzacs „Verlorene Illusionen“ ihren Anfang nehmen und die Charente sich entschließt, nach Westen zu strömen, findet seit 1974 das „Festival International de la Bande Dessinée“ statt, das bedeutendste Comicfestival Europas. Jährlich werden Auszeichnungen und Preise vergeben bis hin zum Grand Prix de la Ville d’ Angoulême für das zeichnerische Lebenswerk. Harry Oberländer vermittelt einen Eindruck von der Stadt des Comics.

Die Utopie kann als Nicht-Ort begriffen werden, nach dem wir uns alle halb furchtsam, halb erwartungsvoll sehnen; ein vager Horizont mehr als eine benennbare Destination – doch darum nicht weniger sinnlich zu spürendes Phänomen. Die Künstler*innen der Ausstellung Tip of Tongue in Bangkok haben das Utopische auf den Schauplatz der Spitze unserer Zunge verlegt: direkt in unsere Körper und doch immer noch nicht ganz greifbar. Ellen Wagner hat sich die Ausstellung aus 10.991 Kilometern Entfernung auf dem Bildschirm angesehen.

Der Himmel ist bei Marc Chagall zumeist bevölkert. Geigen, Liebespaare und Tiere fliegen, Engel stürzen. WELT IN AUFRUHR. Unter diesem Titel sind in der Kunsthalle Schirn Frankfurt noch bis zum 19. Februar 2023 rund 60 Gemälde, Papierarbeiten und Kostüme Chagalls zu sehen. Walter H. Krämer lenkt den Blick allerdings auf dessen Gemälde „Commedia dell’arte“ im Foyer der Städtischen Bühnen Frankfurt.

Knipsen kann jeder. Fotografieren aber ist Gestalten des Gesehenen – ein künstlerischer und damit auch ein politischer Vorgang. Die aktuelle Ausstellung der indischen Fotografin Gauri Gill ist nicht nur äußerst sehenswert. Sie entwickelt eine wichtige postkoloniale Perspektive auf die Dokumentarfotografie. Ursula Grünenwald hat die Ausstellung besucht.

Die Ausstellung „Ewiges Eis“, die noch bis zum 12. Februar 2023 im Bad Homburger Museum Sinclair-Haus zu sehen ist, lädt dazu ein, die Ästhetik des Eises zu bestaunen. Man erhält einen hervorragenden Eindruck davon, welche Zugänge die bildende Kunst zur Debatte um den Klimawandel bietet und welche Ansichten sie bereithält, die sich von naturwissenschaftlichen und medialen Positionen unterscheiden. Wer sich auf den ästhetischen Zugang einlässt, aber eine weitergehende Perspektive erhofft, muss leider feststellen, dass das museale Ambiente die dramatischen Ausmaße der Naturzerstörung nicht angemessen spiegelt, wie Ursula Grünenwald bilanziert.

Die Ausstellung „Zurück ins Licht“ im Jüdischen Museum Frankfurt möchte vier vormals renommierte, von den Nazis wegen ihrer jüdischen Herkunft ermordete oder ins Exil getriebene Künstlerinnen der Vergessenheit entreißen. Eugen El hat sich ihre Werke und Lebenswege angesehen.

Im Haus am Dom zeigt eine Ausstellung des Dommuseums das Werk des Graphikers und Glaskünstlers Hans Leistikow. Stefana Sabin hat seine Entwürfe und Bilder neu und die Grisaille-Fenster im Kaiserdom wiederentdeckt.

Banksy sprüht vor Einfällen, wenn es darum geht, witzige und intelligente Bilder an die Wände zu werfen – schnell und gezielt platzierte Kommentare zu politischen und sozialen Themen. Der Schablonenkünstler ist derzeit der weltweit bekannteste Streetart-Aktivist und zugleich einer der teuersten, wenn seine Werke in die Auktionen und in den Handel geraten. Walter H. Krämer hat eine Wanderausstellung mit seinen Werken in Hamburg besucht.

Der bedeutende britische Maler Lucian Freud starb 2011 im Alter von 88 Jahren in seinem Londoner Atelier. Die Familie des 1922 in Berlin geborenen Enkels von Sigmund Freud emigrierte 1933 vor den Nationalsozialisten nach London, 1939 wurde er britischer Staatsbürger. Von Kritikern wird Lucian Freud als einer der „größten realistischen Maler der Gegenwart“ gefeiert, seine Gemälde erzielten schon zu Lebzeiten Höchstpreise. Das war aber nicht immer so. Seine Aktgemälde wurden bis in die 1970er Jahre als pornografisch gebrandmarkt und werden bis heute von einigen Betrachtern als abstoßend, zudringlich oder gar hässlich empfunden. Lucian Freud hat immer jede Verbindung seines Werkes mit dem seines Großvaters Sigmund Freud abgestritten. Die Frankfurter Psychoanalytikerin Rotraut De Clerck, die sich seit über zwanzig Jahren mit dem Werk des Künstlers auseinandersetzt, sieht jedoch durchaus eine Parallele zwischen dem „rücksichtslosen Zu-Leibe-Rücken“, mit dem sich Lucian Freud den Körpern seiner Modelle nähert, und der Intensität, mit der sich Sigmund Freud dem seelischen Leid seiner Patienten gewidmet hat.

Für das Gemälde “Sleeping by the Lion Carpet” (oder “Die Sekretärin”) arbeitete der britische Maler Lucian Freud (1922-2011) zum vierten Mal mit dem Aktmodell Sue Tilley (* 1957) zusammen. Tilley war ursprünglich in der britischen Arbeitsverwaltung tätig und stieg dort von der Angestellten zur Leiterin eines Arbeitsamts in London-Mitte auf. Zum Maler Lucian Freud erhielt sie Kontakt über einen gemeinsamen Bekannten, den australischen Performancekünstler Leigh Bowery, der Freud ebenfalls Modell saß. Bowery lernte Sue Tilley als Kassiererin im Londoner Nachtklub „Taboo“ kennen. Rotraut De Clerk hat sich das Werk einmal genau angeschaut…

Mit „Frei. Schaffend“ ist eine Ausstellung im Frankfurter Städel Museum untertitelt, die sich der Wiederentdeckung der schweizerisch-deutschen Malerin Ottilie Wilhelmine Roederstein (1859–1937) widmet und zuvor im Kunsthaus Zürich zu sehen war. Sie stellt eine selbstbewusste, sich gängigen Rollenmustern widersetzende Künstlerin vor, deren bewunderte Malerei fest im 19. Jahrhundert verankert war und sich wenig empfänglich für zeitgenössische avantgardistische Strömungen zeigte. Isa Bickmann spürt den Gründen für Roedersteins verblassten Ruhm nach.

Zu den Wandelkonzerten, die vor etwa einem halben Jahrhundert den Rahmen der zeitgenössischen Musik erweiterten, tritt in den letzten Jahren immer öfter ein kollaboratives Denken, das es Künstlern verschiedener Disziplinen erlaubt, sich gegenseitig aufeinander zu beziehen, ohne die anderen zu spiegeln. Michael Hoeldke berichtet von einer Vernissage in Trebel, die von ferne an die Happenings vom Black Mountain College erinnert.

Die Kunstbiennale Venedig bietet im Jahr 2022 mehr Kunstwerke an, als man zu sehen vermag. Außerkünstlerische Ereignisse haben immer wieder die Ausrichtung der gewaltigen Schau beeinflusst. Wer sich durch die Giardini und das Arsenale bewegt, wird dennoch die grenzenlose Vielfalt des Angebots wahrnehmen und, wie Walter H. Krämer, sich nachhaltig beeindrucken lassen.

Christian Schad (1894-1982) war ein Maler, der in die Avantgarde ebenso passte, wie ins Weltbild der Nationalsozialisten, aber sich gar nicht für unser Sortierkästchen von Freund und Feind eignet. Die Stadt Aschaffenburg hat ihm ein eigenes Museum im ehemaligen Jesuitenkolleg eingerichtet, das eben eröffnet wurde. Johannes Winter war unterwegs in Schads Leben und im neuen Haus.

Eine der größten Synagogen Deutschlands wurde 1938 in Brand gesetzt und abgerissen. Auf ihrem Grund wurde ein Hochbunker gebaut, der seit Jahrzehnten zum Ort der Erinnerung an die Judenverfolgung in Frankfurt wurde. Nun sind darin die Synagogen Deutschlands in einer virtuellen Rekonstruktion versammelt. Doris Stickler hat sie gesehen.

Mit einer dichten Präsentation versucht die Ausstellung WALK! in der Schirn Kunsthalle, Besucher und Besucherinnen zum Flanieren anzuleiten. Zwar werde die historische Basis der künstlerischen Praxis des Gehens nicht vermittelt, bedauert Isa Bickmann, doch die Schau biete beachtenswerte Umsetzungen einer jüngeren Generation Kunstschaffender. Es sind besonders die Künstlerinnen, von denen neue Impulse in die Walking Art eingehen.

Nicole van den Plas wurde im belgischen Mol geboren und arbeitete als Lehrerin bis 1970 in Tongeren und Balen. Schon in Belgien war sie auch Pianistin und Instant-Komponistin im eigenen Quartett. Ab 1971, nach ihrer Übersiedelung nach Frankfurt am Main, spielte sie mit Alfred 23 Harth und Sven-Åke Johansson und, nach ihrem Studium an der Städelschule, entwickelte sie eigene Methoden als Künstlerin, die hier von Marion Victor vorgestellt werden.

Walid Raad ist über den Werkkomplex der „Atlas Group“ (1989-2004) und als Teilnehmer der documenta 11 und 13 bekannt geworden. In der Kunsthalle Mainz zeigt der in New York lebende und arbeitende Künstler jüngere Arbeiten, in denen Fiktion und Realität auf raffinierte Art vermengt werden. Isa Bickmann hat sich auf seine Geschichten eingelassen.

Vor einem Monat ist das Deutsche Romantik-Museum in Frankfurt eröffnet worden und wurde seitdem – trotz pandemiebedingter Einschränkungen – viel besucht. Stefana Sabin war zuerst bei der feierlichen Eröffnung und hat sich danach noch einmal näher im Museum umgeschaut.

Seit Jahrzehnten greift Ottinger Queerness, post-koloniale Kritik und politische Verfolgung in vielfältigen Medien auf. In der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden sind nun Arbeiten von 1965 bis 2022 zu sehen, die einander weder „korrekt“ noch bloß makaber, sondern mit surrealer Eindringlichkeit aktualisieren. Im Zentrum stehen Materialien zu Filmprojekten und Einblicke in die Malerei, die Ottinger als bedeutende Vertreterin einer politisch engagierten Pop-Art auszeichnet. Ellen Wagner hat sich die Ausstellung angesehen.

„Aus heutiger Sicht“ heißt eine Ausstellung im Frankfurter Museum Angewandte Kunst, mit der die Hochschule für Gestaltung Offenbach ihr 50-jähriges Bestehen als Kunsthochschule feiert. Co-Kuratorin Ellen Wagner reflektiert das Konzept der Ausstellung und lässt sie Revue passieren.

Der Künstler Volker Reiche hat ein gemaltes Werk geschaffen, aus dem eine Auswahl in der Frankfurter Galerie Art Virus zu sehen ist und in einem Buch der Edition Faust mit dem Titel »Killing is fun«, zusammen mit Texten von Dietmar Dath, Andreas Platthaus und Friedrich Weltzien, dokumentiert ist. Im Gespräch mit Harry Oberländer spricht der Galerist Michele Sciurba über die Gewalt und ihre Gründe in den Bildern Reiches.

Wenn, wie so oft, unbeugsame Künstlerpersönlichkeiten gepriesen werden, vergessen sich leicht die vielen beugsamen, die auch in autoritären Machtverhältnissen eine Chance für ihre Karriere wittern. Thomas Rothschild hat sich in Wien und Berlin Ausstellungen angesehen, die anhand der Reichskammer der bildenden Künste und der auserwählten, von der Wehrmacht befreiten Künstler historische Details anbieten.

Das Selbstdenken, die Archaik, das ambivalente Traditionsbewusstsein, das anarchistische Selbstverständnis und die groteske Komik – das alles und mehr hatte sich in der Persönlichkeit des Künstlers, Schriftstellers, Dramatikers und Filmemachers Herbert Achternbusch zusammengefunden. Dieser Mann war eine anspruchsvolle Provokation für die biederen Zeitgenossen. Als er 80 wurde, hatte Uwe Schütte ihm einen Geburtstagsartikel geschrieben, mit dem wir nun, da Achternbusch gestorben ist, seiner gedenken.

Die Reihe „Im Blickwinkel“ nähert sich erklärungsbedürftigen zeitgenössischen Kunstwerken. Diesmal stellt Sarah Leinweber die Videoarbeit „Flight from the City“ der irischen Künstlerin Clare Langan vor.

Kaum geöffnet, war die Ausstellung „Magnetic North. Mythos Kanada in der Malerei 1910-1940“ in der Schirn Kunsthalle Frankfurt im Rahmen der Corona-Beschränkungen erneut geschlossen worden. Doch Ursula Grünenwald hatte das Glück, die Ausstellung während der kurzen Öffnungsphase im März besuchen zu können, und lobt die kritische Einbettung der rund achtzig Werke umfassenden Feier der kanadischen Landschaftsmalerei des frühen 20. Jahrhunderts.

Sein unbequemes Werk teilt sich auch ohne große Erklärungen den Betrachtern mit, und zwar auf der Empfindungsebene: Gregor Schneider ist Raumkünstler und Professor für Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste in München. Auf der Mathildenhöhe in Darmstadt zeigt er nun Räume, Objekte und Fotografien. Isa Bickmann hat die Ausstellung besucht.

Erstaunlich, dass es überhaupt gelang. Zwischen den Pogromen im November 1938 und Kriegsbeginn 1939 konnten etwa 20.000 Kinder vor der antisemitischen Gewalt ins Ausland gerettet werden, die Hälfte davon nach England. Wie Doris Stickler berichtet, erinnert jetzt in Frankfurt ein Denkmal daran und eine Ausstellung in der Deutschen Nationalbibliothek.

Der in Gdansk geborene Maler Adam Jankowski wird am 1. Februar 2018 siebzig Jahre alt. Er wuchs in Wien auf, studierte in Hamburg und unterrichtete von 1987 bis 2013 in Offenbach. Heute lebt und arbeitet Jankowski in Hamburg und Berlin. Eugen El hat mit Adam Jankowski über die Städte seines Lebens und über gesellschaftlich relevante Malerei im digitalen Zeitalter gesprochen.

Nach Vincent van Gogh rückt das Städel Museum nun Rembrandts Karriere in den Mittelpunkt einer Ausstellung. Dieser erlebte in Amsterdam zwischen 1630 und 1655 den Aufstieg zu einem erfolgreichen Künstler. Isa Bickmann erfreut sich an der Präsentation, die es ermöglicht, Werke Rembrandts und seiner Zeitgenossen vergleichend zu studieren.

Künstlerbriefe, wenn sie nicht an Dienstherren, Auftraggeber, Mäzene und andere potentielle Geldgeber gerichtet sind, sondern an Freunde, mischen in die Beschreibung der eigenen Arbeit und die Betrachtung der Kunst anderer ungeniert Anekdoten, Privates, selbstironische Erlebnisberichte, Obsessionen, Reflektionen und Erkenntnisse. Der holländische Künstler und Autor Fredie Beckmans, der für Hollands „Hollands Maandblad” und andere Zeitschriften und Tageszeitungen tätig ist, hat an Faust-Kultur als „Künstler im Nebel“ einen Brief geschrieben, den wir in zwei Teilen veröffentlichen.

Künstlerbriefe, wenn sie nicht an Dienstherren, Auftraggeber, Mäzene und andere potentielle Geldgeber gerichtet sind, sondern an Freunde, mischen in die Beschreibung der eigenen Arbeit und die Betrachtung der Kunst anderer ungeniert Anekdoten, Privates, selbstironische Erlebnisberichte, Obsessionen, Reflektionen und Erkenntnisse. Der holländische Künstler und Autor Fredie Beckmans, der für „Hollands Maandblad” und andere Zeitschriften und Tageszeitungen tätig ist, hat Faust-Kultur als „Künstler im Nebel“ einen Brief geschrieben, den wir in zwei Teilen veröffentlichen.

Das ‚Haus für Goethe’ steht in der Frankfurter Taunusanlage. In der Tat ist es aber kein bewohnbares Haus, sondern eine wundersame Skulptur des 2002 gestorbenen Bildhauers Eduardo Chillida. Sie ist im Architekturführer „Frankfurt 1980-1989“ dargestellt und von Friedhelm Mennekes ausführlich und kenntnisreich beschrieben.

Laurel Nakadate wurde als Kind amerikanisch-japanischer Eltern 1975 in Austin, Texas geboren und wuchs in Ames, Iowa auf. Nach ihrem Bachelor of Fine Arts an der School of the Museum of Fine Arts in Boston und der Tufts University im Jahre 1998, schloss sie ihr Studium 2001 mit dem Master of Fine Arts an der Yale University ab.

E.M.C. Collard widmet sich Pflanzenstudien, erstellt Modelle phantasievoller Organismen und untersucht und kreiert deren Lebensräume. In Zeiten von genveränderten Pflanzen entwickelt sie auf wunderbar spielerische Art und Weise Prototypen einer neuen Generation. Claudia Olbrych stellt das Werk der in Frankfurt lebenden und arbeitenden Künstlerin vor.

Erstmalig wird die 1942 in Mexiko-City geborene Fotografin Graciela Iturbide mit einer Retrospektive in Deutschland geehrt. Ihr in über fünf Jahrzehnten entstandenes Œuvre gilt als grundlegend für das Verständnis der lateinamerikanischen Fotografie. Isa Bickmann spürt Iturbides ikonenhaften und intimen Bildern nach.

Die DZ BANK Kunstsammlung feiert ihren 25. Geburtstag. Der Gründungsleiterin Luminita Sabau gelang es, damals noch im Auftrag der DG Bank, dem Vorläuferinstitut der DZ Bank, eine vielbeachtete Sammlung der Fotografie aufzubauen. Inzwischen umfasst diese rund 7800 Werke von 800 Künstlern und Künstlerinnen. Im 2009 auf 300 qm eingerichteten Art Foyer werden jedes Jahr drei bis vier öffentlich zugängliche Ausstellungen gezeigt. Seit 2011 ist die Kunsthistorikerin Christina Leber Sammlungsleiterin. Im Gespräch gibt sie Auskunft über ihre wissenschaftliche Beschäftigung mit Firmensammlungen, wie es zum Sammlungsaufbau der DZ Bank kam und wie sie den Status der Fotografie heute sieht.

Die Reihe „Im Blickwinkel“ nähert sich erklärungsbedürftigen zeitgenössischen Kunstwerken. Diesmal stellt Sarah Leinweber die Fotografie „Alles Leben ist Bewegung“ der Bremer Künstlerin Angelica Jerzewski vor.

Die Reihe „Im Blickwinkel“ nähert sich erklärungsbedürftigen zeitgenössischen Kunstwerken. Diesmal stellt Sarah Leinweber die Arbeit „MY GLOVE IS GREAT“ des niederländischen Street-Art-Künstlerduos Telmo Pieper und Miel Krutzmann vor.

Der junge norwegische Künstler Kenneth Alme untersucht mit den Mitteln der Malerei und reflektierter Distanz zum Medium allgemeine Probleme der Sichtbarkeit. Die aktuellen Arbeiten beeindrucken mit exponierter Leere und spekulativem Inhalt. Demnächst ist seine Malerei in zwei Ausstellungen in Deutschland zu sehen.

Der Mensch ist nur ganz Mensch, wenn er spielt, malt, schreibt — oder fotografiert. Vivian Maier war ein Kindermädchen, das in New York unzählige Fotos machte und die Filme hortete. Sie wollte wohl nur fotografieren. 2009 wurden die Dokumente gefunden und eine Auswahl in Buchform veröffentlich. Martin Lüdke ist davon sehr angetan.

Wer will, kann die kulturelle Entwicklung in Deutschland seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs, und besonders seit der Dynamik, der sie seit dem Ende der 60er Jahre folgte, an vielen gesellschaftspolitischen und künstlerischen Neuerungen markieren. Sie ist letztlich nicht so zielgemäß verlaufen, wie mancher gefürchtet hatte. Der im Jahr 2018 gestorbene Kulturhistoriker, -politiker und Publizist Hermann Glaser beschrieb die Bedingungen und die Motive der Protagonisten.

„Neue Sachlichkeit“ ist ein Sammelbegriff für diverse künstlerische Strömungen im Deutschland der 1920er. In den vergangenen Jahren widmeten sich mehrere Ausstellungen dieser turbulenten Epoche. Eugen El geht der Frage nach, warum uns die Kunst der Weimarer Republik bis heute anzieht.

Die Pandemie hat zur Reflexion unserer Lebensgestaltung angeregt. Aber hat die von außen auferlegte Entschleunigung etwas geändert? Warum To-do-Listen schreiben, wenn uns der Zwang eines Aufgabenkorsetts nicht guttut? All diese Fragen beschäftigen Isa Bickmann nach einem Besuch der Ausstellung „State of High Performance“ in den Ausstellungsräumen der Basis e.V. in Frankfurt, in der Künstler und Künstlerinnen über das Leistungsprinzip nachdenken lassen.

Von der Frankfurter Gegenwart in die Vergangenheit und zurück in die Zukunft: Die Ausstellung „Ersatzkunst. Die Wüsten-Jahre 1975-1985“ zeigt in verdichteter Form Höhepunkte der jüngeren Kunstgeschichte Frankfurts. Ursula Grünenwald hat sich die von Isa Bickmann kuratierte Schau in der Ausstellungshalle Schulstraße 1A in Frankfurt angesehen.

Inmitten der Auenlandschaft des Biosphärenreservats Mittelelbe, in Sachsen-Anhalt, liegt das Gartenreich Dessau-Wörlitz – eine im 18. Jahrhundert angelegte, einzigartige Kulturlandschaft. Als Naturschutzgebiet und als Weltkulturerbe steht sie unter dem Schutz der UNESCO. Walter H. Krämer unternimmt einen Ausflug in Geschichte und Gegenwart des Gartenreichs.

Der Schweizer Peter Wirz konnte sein von Anbeginn verunglücktes Leben nur mit Bildern vermitteln. Dem Jugendlichen war eine geistige Behinderung attestiert worden. Im Jahre 2000 ist er gestorben und heute gilt er als bedeutender Vertreter der ‚Art brut‘. Michael Eberth berichtet vom Leben des Künstlers und bespricht das zeichnerische Werk, das Andres Müry herausgegeben hat.

Tatjana Prenzel illustriert für Auftraggeber wie die „New York Times“ und das Magazin „The New Yorker“. Die Absolventin der Offenbacher Hochschule für Gestaltung teilt ihren Atelierraum im Frankfurter Gallus mit mehreren Illustratoren und Grafikdesignern. Eugen El hat Tatjana Prenzel zum Gespräch getroffen.

Die Collage taucht seit ihrer Erfindung im frühen 20. Jahrhundert fortwährend in künstlerischen Produktionen auf. Gerade in den letzten Jahren erlebt sie eine Renaissance. So ist es folgerichtig, dass die verschiedenen Ausdrucksformen von Zerschnittenem und Zusammengesetztem in Themenausstellungen gebündelt werden. Isa Bickmann hat die Schau „Schnitt Schnitt“ in Darmstadt besucht.

Nicht erst die Astronauten der Apollo 8 haben die Erde als ästhetisches Objekt entdeckt. Poetisches Denken und nüchterne Befunde sieht der Schriftsteller Rolf Schönlau in den Objekten seiner imaginären Ausstellung verschränkt, die Karten, Fotos, Grafiken, Gemälden, Zeichnungen, Romanauszügen, Parolen und Soundtracks zum Thema Geoästhetik vereint und von Axel Kahr vorgestellt wird.

Lange Zeit konnten Kulturmanager und -managerinnen sich auf die traditionellen Aufgaben des Museums beschränken: Sammeln, Bewahren, Erforschen und Vermitteln. In der digitalen Transformation werden sie zusätzlich auf fünf Ebenen gleichzeitig und verschränkt agieren müssen, um museale Sammlungen im Bewusstsein des Publikums zu halten. Barbara Fischer stellt die Ebenen dar und zeigt Chancen und Anforderungen auf.

„Der Herbst des Untergrunds“ ist ein experimenteller Dokumentarfilm von Jos Diegel. Er basiert auf 16-mm-Filmaufnahmen einer inzwischen abgerissenen temporären Ausstellungshalle im Offenbacher Hafen. Eugen El hat mit Jos Diegel über die Entstehung des Films und die Rolle von Kunst und Kultur in der Stadtentwicklung gesprochen.

Die Kunstwelt ringt in Zeiten der Corona-Krise um Sichtbarkeit und setzt auf digitale Präsenz. Das füllt oft nur die Lücken, die eine fehlende analoge Begegnung mit Kunst hinterlässt und kann in dieser jetzt aufkommenden Menge überfordern. Ellen Wagner plädiert für ein kurzes Innehalten, um sich über Fragen nach dem Verhältnis von Präsenzzwang und Rückzug, das Visuelle und das Unsichtbare auszutauschen.

Im Frankfurter Kunstverein ist zu sehen, wie sich die physikalisch-chemischen Prozessen innewohnende Poesie und die Verwendung naturhafter Mittel in der Kunst auf grundlegende Erkenntnisse über unsere Existenz zurückführen lassen. Isa Bickmann empfiehlt den Besuch der Ausstellung, bedauert allerdings, dass die KünstlerInnen-Auswahl überkommene Geschlechterrollenstereotypen bestätigt.

Die in Genf lebende Künstlerin Latifa Echakhch hat in der Kunsthalle Mainz eine Schau eingerichtet, mit der sie über ortsspezifische Bezüge – hier ist es der Freiheitsbaum der nur kurze Zeit existierenden Mainzer Republik (1793) – auf aktuelle gesellschaftspolitische Kontexte verweist. Isa Bickmann hat die zurückhaltend installierte Ausstellung besucht.

Mit dem Namen „Neue Heimat“ verbindet man vorrangig den Skandal veruntreuter Gelder, in den die Gewerkschaften involviert waren. Umfassender blickt das Frankfurter Architekturmuseum, in Kooperation mit dem Architekturmuseum der TU München und dem Museum für Hamburgerische Geschichte, auf den Wohnungsbaukonzern. Denn die Neue Heimat ist Teil der westdeutschen Sozialgeschichte. Ihr Ende markiert auch das Ende der sozialen Wohnungsbaupolitik und ist damit die Ursache für die heutigen Probleme. Isa Bickmann schaute in Ausstellung und Begleitbuch.

Im Frankfurter Museum Giersch ist noch bis zum 9. Juli 2017 eine Ausstellung zu sehen, die unter dem Titel „Ersehnte Freiheit. Abstraktion in den 1950er Jahren“ einen „neuen Blick“ auf die wichtige Kunstströmung nach dem Zweiten Weltkrieg werfen will. Ob sie das wirklich einlöst, berichtet Isa Bickmann.

Rekordverdächtig sind schon jetzt die Besucherzahlen der Frankfurter Van-Gogh-Ausstellung. Doch wenn man sich nicht in die Schlangen vor dem Städel Museum einreihen mag, könnte man 400 Meter den Schaumainkai entlang laufen zum Museum Giersch. Das dort erstmals zu einer Retrospektive vereinte, wenig bekannte Werk des Max-Beckmann-Schülers Georg Heck lohnt unbedingt einen Besuch. Im Idealfall jedoch sieht man sich beide Ausstellungen an, meint Isa Bickmann.

Würde man WissenschaftlerInnen bitten, unterhaltsame Anekdoten aus ihrem Fach zu erzählen, erhielte man wohl Geschichten, wie sie von Olaf Nicolai aufbereitet werden, bewege sich durch die Wohnung des Literaturwissenschaftlers Mario Praz, begebe sich mit Foucault auf einen LSD-Trip ins Death Valley oder stöbere sich durch die Bibliothek einer römischen Galeristin. Isa Bickmann hat die Ausstellung des Wilhelm-Loth-Preisträgers im Museum Künstlerkolonie auf der Mathildenhöhe besucht.

Die Frankfurter Ausstellung „Glanz und Elend in der Weimarer Republik“ beleuchtet die veristisch-gesellschaftskritische Strömung der „Neuen Sachlichkeit“ mit einer Fülle von rund 190 Werken – und einem eindrucksvollen Anteil von weiblicher Hand. Es gibt wohl kaum einen besseren Zeitpunkt, diese Ausstellung zu zeigen, meint Isa Bickmann.

Als erste Frau wurde Elisabeth von Knobelsdorff zur Diplomprüfung im Fach Architektur zugelassen. Das war im Jahre 1911. Was hat sich seitdem getan? Eine Ausstellung im Deutschen Architekturmuseum zeigt, wie Frauen den Architekturberuf eroberten und welchen Schwierigkeiten sie sich zu stellen hatten. Isa Bickmann sieht in Schau und begleitender Publikation einen wichtigen Beitrag, auf die bis heute fehlende Sichtbarkeit von Architektinnen aufmerksam zu machen.

Der Orphismus ist einer der vielen Ismen, mit denen man der Vielfalt der modernen Kunstströmungen zu begegnen suchte. Sein Name wurde 1912 vom Dichter Guillaume Apollinaire gefunden für jene Richtung des Kubismus, die das Licht als den die Farben in Bewegung bringenden Faktor sieht. Das Wilhelm-Hack-Museum in Ludwigshafen zeigt erstmals eine Überblicksausstellung dieser Richtung. Isa Bickmann hat die sorgsam kuratierte Schau gesehen.

Der Titel „Power to the People“ impliziert es bereits: Eine Ausstellung in der Schirn Kunsthalle Frankfurt konzentriert sich auf politische Kunst in Zeiten, in denen die Demokratie sich als zerbrechlich zeigt und aktives Engagement nötiger denn je scheint. Im Ganzen ist das eine recht sehenswerte, wenn auch überraschend leise Ausstellung, findet Isa Bickmann.

Der letzte Bau von Le Corbusier war ein Pavillon, den die Galeristin und Mäzenin Heidi Weber auf der Blatterwiese am Zürcher See 1967 errichten ließ. Nach einer umfangreichen Renovierung ist der Pavillon, der zum Museum für Gestaltung Zürich gehört, wieder eröffnet und dokumentiert in der Ausstellung „Mon univers“ die Sammelleidenschaft und die gestalterischen Vorbilder von Le Corbusier. Stefana Sabin war im Zürcher Pavillon.

Malerei weist heutzutage oftmals über das Rechteck der Leinwand hinaus und wird konzeptuell in eine übergreifende Idee verpackt. Die erste institutionelle Einzelausstellung der in Berlin lebenden Künstlerin Laura Langer zeigt sich in einer ortsspezifischen Installation, die BesucherInnen bis ins normalerweise nicht zugängliche Dachgeschoss des Frankfurter Portikus führt. Isa Bickmann ist hinaufgeklettert.

En passant, im Vorbeigehen, hat das Frankfurter Städel Museum seine in die Verlängerung gehende Ausstellung genannt. Im Zentrum stehen dreidimensionale Werke von vor und um 1900 und die Frage, ob der Impressionismus als Stilbegriff auf diese anwendbar ist. Isa Bickmann hat die Ausstellung gesehen und empfiehlt den im Ausstellungskatalog geführten Diskurs zur nachhaltigen Lektüre.

Taro Izumis Kunst ist voller Hintersinn und Humor, wenn er die Schwerkraft aufhebt, aus der Stille Geräusche zaubert oder den vermissten Katzen in Basel auf der Spur ist. Die Werkschau des japanischen Künstlers (geb. 1976) wurde als offener Parcours gestaltet. Isa Bickmann hat diese im Museum Tinguely Basel besucht, das, im Gegensatz zu den Museen in Deutschland, vorerst geöffnet bleibt.